Réalisé par David Yates

par Sean Smith

La Salle sur Demande est en feu. Dans un studio en périphérie de Londres en août dernier, Daniel Radcliffe serpente autour de flammes de gaz incandescent et entre des piles de 10 mètres de haut parsemées de trésors des précédents films de Harry Potter : les pions d’échec géants de l’École des Sorciers, les lanternes chinoises du Prince de Sang-Mêlé, les tasses à thé du Professeur Trelawney, le gramophone de Rusard, les bannières de Quidditch ainsi que des cornemuses, des cages à oiseaux et des fioles à potions pour y verse de “l’Essence de Murlap” et autres. Tout cela – à l’écran du moins – sera en flammes quand du feu généré par l’ordinateur sera rajouté. Radcliffe, en sueur, fait un sprint vers la caméra avec terreur et plus s’arrête, se rendant compte qu’il a saboté son jeu. “Zut”, dit-il, en retournant tranquillement vers la montagne de souvenirs pour refaire la scène. “J’ai oublié une partie essentielle de ça”.

* * *

Harry Potter et les Reliques de la Mort – le septième et dernier roman de Harry Potter – s’est venu à plus de 11 millions d’exemplaires en juste 24 heures quand il est sorti en juillet 2007, en faisait le livre le plus rapidement vendu de l’histoire. C’est probablement le livre lu le plus rapidement, aussi. Bien qu’il n’y ait pas de statistiques pour le prouver, des millions de lecteurs ont dévoré les 759 pages de J.K. Rowling à la vitesse d’un Vif d’or cet été là, désespérés de découvrir le sort ultime du Survivant. Regarder l’adapation cinématographique à la même vitesse, cependant, ne sera pas une option. Les Reliques de la Mort, comme la plupart des fans le savent déjà, a été coupé en deux films. Warner Bros. sortira la 1ère partie le 19 novembre. La 2ème partie arrivera l’été prochain, le 15 juillet.

Au début de la 1ère partie, Harry (Radcliffe), Ron (Rupert Grint) et Hermione (Emma Watson) ont quitté l’École de Magie et de Sorcellerie de Poudlard et fuient Voldemort (Ralph Fiennes) et les Mangemorts, qui ont pris le pouvoir du Ministère de la Magie anglais. Le trio a besoin de trouver et détruire les Horcruxes restant – des objets qui contiennent l’âme de Voldemort – ainsi que combattre les forces du mal (dont l’énorme serpent Nagini) ainsi que leurs propres doutes et démons pour le faire. “La 1ère partie est assez ancrée dans la réalité”, dit le réalisateur David Yates, qui a aussi tenu la barre de l’Ordre du Phénix et le Prince de Sang-Mêlé. “On a l’impression que ces trois mômes sont des réfugiés. Ils sont pratiquement sans abri, et il est intéressant de les voir éloignés du havre de Poudlard”.

La 2ème partie mènera à une énorme bataille à l’école, la mort de plusieurs personnages principaux, et la  confrontation finale de Harry avec le Seigneur des Ténèbres. “Je ne voulais pas que les deux films soient de tons similaires, dit Yates. Alors la 2ème partie est bien plus opéra, coloré et orientée sur la fantasy. Ce qui vous donne la séparation entre les films, ce sont ces personnages et la vraie relation que le public a développée avec eux”.

C’est une telle relation, en fait, que certains fans ont été en rogne quand Warner Bros. (qui, comme EW, font partie de Time Warner) a annoncé que le dernier livre serait coupé en deux à l’écran. Les Potterites ne voulaient pas attendre huit mois de plus pour avoir une closure et soupçonnaient le studio d’être rapace. (La 1ère partie, au fait, se terminera à peu près au chapitre 24 du livre, avec Voldemort rentrant en possession de la Baguette de Sureau, l’une des trois Reliques de la Mort qui permettent au porteur de conquérir la mort.) Malgré l’insistance des cinéastes que le choix de séparer les films a été fait pour des raisons créatives – être aussi fidèle aux livres que possible – certains fans sceptiques croient toujours que la décision a été faite pour des raisons purement commerciales. “Le mot clé ici est purement”, dit le président de Warner Bros. Entertainment alan Horn. “Je ne veux pas être déloyal ou malhonnête à ce propos. Il y a aucune question que Warner Bros. fera plus d’argent avec deux films qu’avec un. Mais nous n’aurions jamais, jamais fait cela si Jo [Rowling] n’aurait pas approuvé cela, et si nous ne pensions pas que nous donnions un meilleur final, avec un sens plus complet de closure. Nous respectons simplement et aimons trop les livres pour cela”.

Ils devraient. Les six films de Harry Potter ont gagné plus de 5.4 milliards de $ de part le monde, en faisant la franchise mondiale la plus gagnante de l’histoire du cinéma. (Star Wars la bat encore au niveau national, mais à peine.) Plus important pour les fans, cependant, les films en date ont maintenu une qualité consistante – malgré avoir quatre réalisateurs différent. Encore plus miraculeux, la distribution centrale est restée pratiquement intacte. (Richard Harris, le Dumbledore original, est décédé en 2002 et a été remplacé par Michael Gambon.) Et bien qu’ils aient grand dans le bocal de la célébrité, les trois jeunes stars ont émergé de leur décennie à Poudlard indemnes de scandale ou d’auto-destruction adolescente.

Néanmoins, le trio semble tous affligés de divers degrés d’ancienneté sur le tournage aux Leavesden Studios. “Je tourne vraiment la page maintenant, je pense”, dit Grint entre les prises. “Ce film est une manière géniale de refermer toute l’époque, et ça va être triste, parce que évidemment tous mes amis sont ici, mais 10 ans, ça suffit”. Les trois tournent une scène dans la Salle sur Demande dans laquelle Harry, Ron et Hermione cherchent un Horcrux – dans ce cas, le diadème de Serdaigle. Watson et Grint sont trempés jusqu’aux os. (Dans le film, Ron et Hermione ont récemment détruit un autre Horcrux dans l’eau et étaient poursuivis par un tsunami en forme de Voldemort.) L’équipe ne cesse de tremper Grint et Watson en les aspergeant toutes les quelques minutes. Cela ne rend pas Watson heureuse. “Ça dure depuis des semaines”, dit-elle en tremblant à côté d’un radiateur. “Je déteste sonner comme une pleurnicharde, mais c’est horrible. C’est triste d’être mouillé tout le temps”. Elle hausse les épaules et ajoute tout net : “Mais, tu sais, on m’a dit que ça semblera très dramatique quand on verra les films, alors ça en vaudra la peine”.

Radcliffe, pendant ce temps, semble être en pleine lutte acharnée contre lui-même quant à finir son rôle de Harry Potter. “Ce film a été dur à faire, et j’ai eu des moments les plus fatigants, à la fois physiquement et mentalement, qu’auparavant, dit-il durant une pause. Je n’étais pas particulièrement content de mon jeu dans le Prince de Sang-Mêlé – je le trouvais redondant, et je ne pensais pas qu’il y avait assez de variation dedans – alors j’ai travaillé dur pour m’assurer que si le septième film sort et que j’ne suis toujours mécontent, je saurais que ça ne vient pas de ne pas assez essayer. Il s’arrête. On a encore beaucoup de boulot devant nous, mais honnêtement, je m’en fiche. J’aime être ici. Je n’aimerais être rien pour rien au monde”.

Les trois stars de Potter ont toujours été immanquablement polis envers les visiteurs durant toutes les années, et ils n’ont jamais semblé peu reconnaissants pour les expériences extraordinaires qu’on leur a données. Pourtant, ce sont aussi des jeunes qui rentrent dans la vingtaine – Radcliffe et Grint ont 21 ans, et Watson 20. Et tandis que les adultes autour d’eux sont devenus d’humeur nostalgiques à propos du long voyage Potter, généralement parlant, Grint, Watson et Radcliffe sont impatients. “On a tourné pendant un très long moment, en comparaison à tout”, dit Yates des deux derniers films. “Dan et Rupert ont été sur le tournage pendant un an – et il y avait des phases, des périodes, où on pensait tous Bon Dieu, je veux juste en finir. On a besoin de closure. Mais de mon point de vue, ils sont aussi très engagés à donner leur meilleur parce que c’était leur dernière opportunité d’être ces personnages”.

Tandis que la production des deux films se finissait cet été, les trois stars ont fait face à la perspective de devoir tourner leur dernière scène ensemble. “C’était bizarre”, a dit Watson la semaine dernière au téléphone. “Arriver sur le tournage ce jour-là, il y avait une atmosphère incroyablement lourde. On sentait le moment dans l’Histoire. C’était vraiment énorme”. Dans la scène, Harry, Ron et Hermione sont rentrés par effraction dans le Ministère de la Magie. Ils jettent un sort à une femme et la tirent dans un petit placard à balais. “Ces trois personnages ont été dans les situations les plus fantastiques à Poudlard – ils ont été dans la Forêt Interdite, tous ces endroits extraordinaires, explique Yates. C’était une manière bizarre de finir, vraiment”. Mais poétique, peut-être, si on considère que toute la série a commencé avec un garçon qui vivait dans une petite chambre sous les escaliers d’une maison de Privet Drive. “D’une manière, dit Yates, la série a commencé avec un placard et a finit avec un autre”.

Traduction – 8 janvier 2012

Le taxi chauffe, coincé dans le gros embouteillage étouffant de Kinghtsbridge. À l’arrière, Damon Albarn tient délicatement une bouteille de bière chaude et acclame bruyamment les protestataires qui scandent dehors sur le trottoir.

“Vous êtes excellents !” crie-t-il par la fenêtre du taxi.

Les protestataires, principalement des adolescents, prennent soin de l’ignorer. Ils ont l’intention d’haranguer le consulat de France à propos des essais nucléaires dans l’atoll de Mururoa.

“C’est excellent, putain”, répète Damon à personne en particulier. “Je n’ai pas vu de panneau de la CND depuis des putains d’années !”.

Un quart d’heure plus tard, le même taxi est coincé dans le même trafic. Nous avons réussi avec bien du mal à arriver jusqu’à Piccadilly Circus et sommes arrivés à un arrêt imprévu de récriminations devant le Trocadero.

Les trottoirs grouillent de touristes en t-shirts du Hard Rock Café. Damon continue à tenir délicatement sa bouteille maintenant vide et s’affaisse dans son siège. Trop tard mec.

“D-A-M-O-N !!! D-A-M-O-N !!!” Un groupe de filles se tirent les manches et pointent du doigt, incitant l’hystérie de chacun. Deux d’entre elles risquent leurs vies et avancent en titubant, criant et battant de l’air, dans le trafic. Miraculeusement, le taxi commence à bouger. Damon leur fait un sourire penaud et un salut royal de la main et essaie de se rappeler où nous allons.

“Oh ouais. Le Mars Bar. Voir si Alex a déjà essayer de lever Barbara Ellen”.

Barbara, actrice qu’elle est, interviewe Alex dans son bar préféré du West End et Damon est déterminé à faire des sottises.

Quand nous finissons par arriver à notre destination – désastre majeur – Alex, le légendaire buveur et homme à femmes, passe une rare journée “sèche” en préparation du Top Of The Pops de demain. Non seulement il n’a pas fait de plat à Barbara, il a positivement peur d’elle.

Damon est complètement dégoûté. Seule une bière de plus atténuera la douleur de la déception.

Alors on s’appuie contre le bar, les conversations tournent en débat comme à leur habitude et une heure plus tard, une ampoule s’allume au dessus de sa tête.

“Justine fait la cuisine !” annonce-t-il soudainement avec une panique palpable. Il emprunte un portable et l’emmène dans la rue où on peut simplement l’entendre dire qu’il sera rapidement à la maison et hurler avec exaspération dans la nuit : “Chérie, je sais pas si c’est le riz ou le bouillon qui va en premier !”

* * *

Voici donc, fans de pop. Quand Justine fait la cuisine chez Albarn, c’est… du risotto !

Et voilà, vous avez tous les ingrédients : Blur, fin août 1995. Assez conscients du point de vue politique pour acclamer la CND et se consacrer au projet Help de War Child. Célèbres au point qu’on leur crie dessus dans la rue. Assez mec pour fantasmer des insinuations dans la plus innocentes des interviews. Et très soûms et très en retard effectivement pour un dîner très élégant. Oh, quelle vie glorieuse !

C’est Blur, rois de tout le Swinging London et le plus grand, le plus intelligent et le meilleur groupe pop de Grande Bretagne. Grâce à plusieurs années de dure labeur et une bonne dose cruciale de croyance en soi, aujourd’hui Blur jouissent de la gloire de leur premier single numéro un.

Ils contemplent aussi avec confiance la sortie de leur quatrième LP, The Great Escape. C’est un album avec beaucoup de fanfaronnades, un album qui est déjà grand favori pour clipser leur puissant Parklife.

Comme on lui a donné le choix, Damon a choisi d’en parler dans un pub au bout de la rue des nouveaux quartiers généraux de EMI dans l’Ouest londonien.

Il est bronzé, détendu et calment suffisant après une semaine de vacances – une semaine durant laquelle Country House a été au sommet des charts, résultat doublement agréable si on considère sa décision de faire un face à face avec Roll With It, le dernier single en date des archi-rivaux nourris par les médias, Oasis.

La veille au soir, dans ce même pub, Damon s’est vu remettre par sa maison de disques une copie encadrée des charts. L’inscription dit : “Mieux que Blur chaque putain de jour de la semaine, Liam Gallagher, festival de Glastonbury, 1995”. Dessous, on lit “PAS AUJOURD’HUI CHÉRI !”

La serveuse demande, et obtient, sa photo avec Damon. Elle verse les pintes et dit qu’elle est fan de Blur. Traite Oasis de “rustres du Nord”. Damon sourit. Nous nous retirons dans le jardin.

* * *

Cette chose Blur contre Oasis est devenue assez sérieuse, non ?

“Ouais, mais personne ne s’en est pris à Oasis de notre côté. Je veux dire, j’ai fait ce truc dans l’émission de Chris Evans quand j’ai dit Ça sonne un peu comme Status Quo, mais c’était la seule chose. Tout s’est passé de leur côté”.

Était-ce juste de bonnes manières ou une sorte de limitation des dégâts de votre part ?

“Oh, on n’était pas 100% confiant qu’on allait gagner. On ne peut l’être. C’est naïf de penser différemment”.

Si on dit qu’on va gagner et qu’on ne gagne pas, on est juste idiot, hein ?

“Eh bien, ouais, et je n’étais pas prêts à ça parce que je fais attention à la musique que je fais”.

L’as-tu mal pris quand Phil Daniels a dit au NME qu’il pensait que Oasis serait numéro un ?

“Oh ouais. Ça m’a vraiment énervé. Je l’ai appelé tout de suite et j’ai dû aller le voir ce soir-là pour en parler prce que… tu sais, j’aime vraiment Phil et j’étais blessé. Je suis bien maintenant, mais, à l’époque, quand j’ai lu ça, j’étais vraiment triste”.

Il a dit que tu pleurais au téléphone.

“C’est des conneries. Il est gentil, hein ?”

Et si tu avais pété un plomb ?

“Je ne sais pas vraiment. J’étais en vacances avec mes parents parce que Justine et moi on avait réservé pour aller en Turquie jusqu’à ce qu’on propose Lollapalooza à Elastica. On avait invité mon père à ouvrir la première école d’art à l’île Maurice alors je suis allé avec lui. Ça allait bien jusqu’au jeudi soir et puis tout a changé et j’ai commencé à m’inquiéter. Le vendredi, je m’agitais vraiment et puis le samedi je suis rentré. Il n’y avait aucune réaction à Heathrow. J’ai pris un taxi et le chauffeur ne m’a pas reconnu, ce qui était un résultat. Justine ne rentrait pas des États-Unis avant le samedi soir alors je suis allé au café du coin de la rue où la serveuse n’a fait un cours de rattrapage sur la presse qui parlait de nous.

“Quand je suis rentré, il n’y avait aucun message sur le répondeur jusqu’à ce que Andy Ross (le chef de Food Records) a appelé et a dit qu’il avait assez confiance. Le lendemain, je suis allé jouer au foot et Andy est arrivé complètement énervé alors je savais qu’on avait gagné, ce qui était génial parce qu’on avait besoin d’éclipser Parklife d’une certaine manière.

“L’ironie, c’est que si on n’avait pas eu le truc avec Oasis, ça n’aurait pas fait les grands titres. Tout le monde aurait dit Bien sûr qu’ils vont être numéro un. Mais le truc oasis l’a complètement changé et oui, j’ai changé la date de sortie pour la même qu’eux !

“Si tu veux vraiment connaître la raison principale, quand Oasis a été numéro un avec Some Might Say, je suis allé à leur fête, tu sais, juste pour dire Bravo. Et Liam est venu me faire Numéro un putain ! dans ma tronche. Alors j’ai pensé D’accord, on va voir…

“Mais ne rentrons pas là dedans. Tout ce qui compte, c’est que ça a payé, dieu merci. Je pense que ça doit se calmer maintenant parce que tout le monde attend avec impatience Bournemouth, où on joue dans la salle juste en face de la leur ? Je n’y suis pour rien. C’est purement et véritablement une coïncidence”.

Tu ne vas pas te dérober, hein ?

“Non”.

* * *

Dans quelques minutes, l’interview sera interrompue par un appel du bureau de Blur.  Il y a eu de la communication de la part du camp Oasis pour voir si rien ne pouvait être fait pour le clash de Bournemouth. Des rumeurs courent que des gangs de Mancuniens en maraude ont déjà loué des cars pour l’occasion, tandis que, pour quelque raison, certains costauds de Wolverhampton projettent de faire des mêlées au nom de Blur. Il semble que tout le monde est fin prêt pour un peu d’ultra-violence à l’ancienne mods contre rockers.

Plusieurs bières plus tard, Damon donnera ses projets pour la bataille de Bournemouth – un numéro un gonflable géant volera au-dessus de la salle de Blur tandis que le logo de Blur, comme le Bat-signal, sera projeté sur le mur de la salle d’Oasis. Comme nos mères le disent souvent, ah, ces garçons !

Maintenant, la bière n’a pas assez nourri la bravade de Damon pour répondre au taquet et il réfléchit toujours à la semaine qui a changé sa vie pour toujours : “Je ne pense pas que j’aurais pu gérer ça en étant là. Je souffre beaucoup d’anxiété et de stress”.

Sûrement, la chose la plus stressante, c’était essayer de travailler sur un nouvel album quand Parklife ne voulait pas se poser et sortir de l’affection de la nation ?

“Eh bien, les pressions étaient étranges. Je n’ai jamais eu ce truc à propos de la célébrité et faire de l’argent que ce soit terrible. Je voulais juste faire quelque chose que je trouvais bon parce que je savais quelle attention aurait cet album. Ce devait être quelque chose qui était au moins un digne successeur de ce qu’on avait déjà fait, quelque chose qui était intelligent sur le plan des paroles. C’était le plus dur.

“Je trouve ça vraiment facile d’écrire des chansons et des mélodies accrocheuses, mais même avec Country House, elle devait avoir des petites choses comme Balzac et Prozac. Des choses bizarres. Elles sont très importantes parce que, pour moi, c’est ce qui la rend intéressante, de la pop légèrement tournée.

“J’étais plus détendu sur cet album en général. Je ne sentais pas la rage que j’avais dans le passé, je ne ressentais pas ce besoin d’être une caricature du British”.

Grâce à Blur, cependant, il n’y a rien dont on peut avoir honte aujourd’hui : London est la capitale rock du monde encore une fois et ils doivent être remerciés pour cela. Damon semble avoir embrasser son rôle, présentant même des groupes comme Sleeper, Menswear, Pulp et Supergrass aux parents dans l’émission spéciale Britpop sur BBC2.

Est-ce que cela t’a gêné, te comporte comme le porte-parole d’une génération ?

“Non… Je me sentais assez à l’aise. Je ne me sentais pas du tout gêné. Je veux dire, Jarvis a présenté Top of the Pops – ce qui lui a donné de la vocation dans la vie ; il sera un grand présentateur et aura sa propre émission. Et entre nous tous, on dirige la culture pop de ce pays. Ça nous laisse ouverts à être complètement tournés en ridicule par la prochaine génération ce qui est d’accord. Mais, à ce moment, on a atteint ce point où c’est notre chose. C’est tout ce qu’une génération peut espérer atteindre”.

Les absents notables de l’émission étaient Oasis.

“Ils ont refusé de le faire”.

Parce que tu présentais ?

“Non, non, non. Je pense que l’un des dangers de ce groupe, c’est qu’ils sont entourés de beaucoup de personnes qui prennent trop de drogues. C’est ce qui se passe avec une grande partie de ces groupes dont l’attrait principal est la sensation de liberté, dont beaucoup est juste une illusion. C’est juste les drogues. Je sais que je sonne comme un vieux con réactionnaire, mais je pense juste qu’on dure plus longtemps et qu’on dit bien plus si on est un peu plus sobre”.

As-tu écouté Morning Glory ?

“Ouais. Assez bizarrement, la personne qui me l’a fait écouter était Paul Weller, mais… euh… J’étais vraiment bourré et… euh…”

Ah ! Après tout ce que tu viens de dire.

“Eh bien, exactement ! Ahahahah !”

Tu es à nouveau diplomate.

“Ah ouais ?” Damon fait une tête comme un écolier pris en train de voler des bonbons. “Je pense que Liam est un leader absolument génial, vraiment. Si j’avais 15 ans, je voudrais être comme Liam”.

* * *

À l’écoute de The Great Escape, il semble que tu te laisses aller à un peu d’adoration d’héro toi aussi. Fade Away, par exemple, c’est les Specials.

“Ouais, malgré ce que les gens pensent, c’était plus mon groupe que Madness. J’aimais vraiment Terry Hall et l’idée d’un groupe qui était mi-noir mi-blanc et qui produisait cette musique qui était autant du music hall que du reggae. J’aimerais être dans un groupe comme ça. Tu sais, c’est pourquoi les groupes comme Black Grape sont géniaux.

“J’ai rencontré Shaun Ryder pour la première fois sur Top Of The Pops et j’avais vraiment peur parce que je les avas vus à l’Astoria et, tu sais, quand on commençait, c’était LE groupe. Mais il était vraiment intelligent et plein d’esprit et gentil, juste un mec pas con qui se défonce évidemment trop la tête”.

Black Grape ont fait ce que les Stone Roses étaient censés faire – ils ont atteint le grand retour.

“Oh, je ne les mets pas dans le même sac. Les Happy Mondays étaient complètement LE groupe. Je n’ai pas beaucoup d’avis sur les Stone Roses. Ils n’ont pas de charme. Ce n’est pas fini jusqu’à ce que le mec plat chante !” Il ricane.

Top Man, c’est Fun Boy Three, hein ?

“Totalement. J’ai pensé que je pouvais le faire parce que j’ai écrit des chansons avec Terry Hall et qu’en récompense, je pouvais juste piquer ça.  Je lui en ai parlé alors c’est bon. On fait tous partie de la même chose. J’espère que je peux dire ça maintenant sans paraître prétentieux. Je pense que je fais partie de tout ce truc qui a existé dans ce pays, l’héritage…”

N’y a-t-il pas un danger ici ? Si tu montres trop de respect pour tes racines, tu laisses la porte ouverte aux cyniques qui disent que tout a été fait avant. Comme tu dis dans Best Days : “D’autres se retourneraient et se moqueraient de toi / Si tu disais que c’étaient les meilleurs jours de nos vies”.

“Je ne sais pas à quel point les générations sont devenues analytiques, mais on a commencé à regarder nos vies au lieu de les vivre. C’est la chose extraordinaire des années 1990 – on se sent séparés du reste de l’existence. On a l’impression de connaître tout ce qui s’est passé et on utilise tout et, ainsi, aucun de nous se sent vrai. Il n’y a jamais eu auparavant une telle préoccupation pour définir si oui ou non les gens sont vrais. Mais j’espère qu’on se détache de ça un peu maintenant. Je pense que tout le monde veut simplement être un peu plus naïf à ce propos, il y a moins d’examen de soi”.

Ressens-tu constamment le défi de faire tes preuves ?

“Chaque jour. Je n’existe pas. Littéralement, chaque jour, je lis quelque chose qui dit que je ne suis pas réel”.

Tu as beaucoup insisté au concert de Mile End à établir tes racines dans l’Est londonien et à te moquer de ceux qui te traitent de Mockney. Est-ce que la déclaration que tu es en quelque sorte faux te blesse ?

“Ouais. J’ai vécu en Essex et à Londres toute ma vie. Je ne suis pas allé dans le privé, je suis allé dans le public. Mes parents ne sont pas riches mais ils sont intelligents. Je n’y peux rien”.

Beaucoup de gens te comparent au Mick Jagger des années 1960, la manière dont son accent pouvait être snob ou filou dépendant de avec qui il était. Très indigne de confiance !

“Ouais, je peux voir ça. C’est ce que j’ai aimé chez Shaun Ryder. Il se fout si t’es réel ou pas, tu es soit quelqu’un qu’on aime ou pas. Je veux dire, il vit dans le putain de quartier d’Hampstead ! C’est excellent. J’ai me l’idée de tous ces gens de Hampstead déphasés et riches qui le voient comme une sorte de gourou – c’est  le Bouddha de banlieue le retour ! C’est le Bez de banlieue, hein . Héhé. C’est excellent. C’est ça le vrai sujet”.

Un monde sans classe ?

“Ouais, c’est ce que je veux. La chose la plus intéressante dans toute la presse qui a entouré le single, c’est qu’il a révélé cette plaie béante dans notre société, notre fascination pour la division entre la classe ouvrière et la classe moyenne”.

Le Daily Mail a salué la première place de Country House dans les charts avec un accès de dénigrement de péquenauds. Le titre disait : La victoire pop qui rend la classe moyenne tendance.

“Ouais, et ils ont imprimé une photo de la maison de mes parents. C’est une invasion de la vie privée, nan ? Je déteste ce truc de classe. Ça n’a pas de sens. C’est inutile. Je pense que je suis beaucoup plus relax là-dessus que Justine, cependant. Elle est beaucoup plus vulnérable parce qu’elle est vraiment allée dans le privé et qu’elle est plus sensible à ça. Mais c’est inutile. Ça ne veut rien dire”.

Stereotypes est, euh, une chanson de Blur très stéréotype – la caricature d’une propriétaire bien en chair, la farce Brian Rix, la vilaine carte postale de bord de mer. Il n’y a pas de véritable engagement chez tes personnages – tu les crées et tu les observes dans leurs habitats, mais tu ne fais jamais savoir ce que tu penses d’eux.

“C’est dur”.

Tu ne descends jamais de la barrière.

“Je sais”.

C’est une excuse facile.

“Eh bien, c’est juste une excuse facile si tu demandes, en tant qu’auditeur, une sorte de jugement”.

Pas toi ?

“Eh bien, je pense que les chansons portent des jugements très catégoriques, c’est juste que je peux m’en sortir à bon compte. Je peux être numéro un et me moquer de quelqu’un en particulier que personne ne connait”.

Allez ! Ce n’est pas un secret que Country House est ta revanche contre Dave Balfe (ancien associé de Food Records jusqu’à ce qu’il dise à Blur qu’ils étaient si inutiles qu’ils devraient tout abandonner et qu’il le fasse lui-même).

“Ahahahah. Cette chanson parle de moi. Le morceau qui fait Blow, blow me out. C’est arrivé à un moment où je me sentais vraiment mal et elle m’a juste aidé à me moquer de moi”.

Quand on commence à acheter des maisons de campagne avec ses millions, on est mort.

“Bien sûr, mais le truc bizarre, tu prédis ton propre Némésis tout le temps. Écrire une chanson comme Country House et puis en acheter une est inévitable…”.

Pour quelqu’un qui est si manifestement à l’aise avec la célébrité et la fortune, il est bizarre que tu écrives Entertain Me, qui fit en gros la même chose que … Teen Spirit de Nirvana.

“Ça m’a frappé aussi”.

Alors es-tu déjà arrivé au même degré de désespoir que Kurt Cobain ? Est-ce que cela réfléchit le fait que tu es une propriété publique maintenant, que tu dois être “Damon de Blur” tout le temps ?

“Pas du tout. Ma personne pop m’a en fait rendu plus normal. J’étais mal à l’aise avec le fait de ne pas être célèbre”.

Alors pourquoi as-tu développer Dan Abnormal – ton pseudonyme ?

“C’est un nom que Justine m’a donné. Je l’ai trouvé excellent? Il représente une grande partie de mes habitudes les moins appétissantes. Je veux dire, je pense que la chanson Dan Abnormal parle du fait que j’ai passé la majeure partir de cette année seul parce que Justine n’était pas là. Alors j’ai passé une grande partie du temps à me soûler la nuit, sortir et faire ce que les célibataires font… non, c’est trop ambigu merde, hein ? Ce que je voulais dire, je suis devenu complètement seul. Tu sais, je me retrouvais dans Soho à trois heures du mat, vraiment bourré et montant dans un taxi pour rentrer à la maison à regarder un sale film ou peu importe. Je veux dire, j’ai vu Justine trois semaines cette année, ce qui, pour quoi avec qui tu es depuis très longtemps, c’est…” Il s’arrête progressivement, ce regard de pin-up absent dans les yeux.

La chose ensemble/seul surgit beaucoup sur cet album.

“Ouais. Le refrain de ma chanson préférée sur l’album, Yuko And Hiro – “Je ne te vois jamais/Nous ne sommes jamais ensemble/Je t’aimerai à jamais” – l’est vraiment. C’est aussi proche de la réalité que possible. Justine n’aime pas vraiment que je chante des choses comme ça. C’est embarrassant”.

The Universal est aussi très romantique. C’est comme This Is A Low amplifié au max. Cela semble être une joie héroïque d’être assez costaud pour accepter la défaite.

“Je trouve ça vrai dur de me lâcher, de me laisser être un total… c’est quoi le mot ? Fantôme. J’aimerais être un fantôme parfois. La chanson que j’ai faite avec Tricky, je pense qu’il va l’appeler Pass Right Through You. Il a écrit les paroles et je trouvais ça excellent parce que c’est quelque chose que j’ai toujours voulu exprimer. The Universal est comme ça. Elle dit Quand les jours semblent passer sans toi / Laisse les passer. C’est probablement très négatif”.

On ne le dirait pas. Parfois on a juste besoin de couper les amarres, parfois c’est la seule manière de survivre.

“Ouais, le foot au festival de Phoenix était un exemple parfait de ça”. Damon a joué dans l’équipe de football à cinq du NME à Phoenix. L’équipe est allée jusqu’en demi-finale où elle s’est faite battre à plates coutures 3-0 par, on doit le dire, une équipe d’Arsenal beaucoup plus qualifiée. Damon l’a pris le plus mal. Cela lui a demandé des heures et plusieurs pintes pour accepter la défaite, peu importe le nombre de fois qu’on lui a rabâché des platitudes comme “pour bien gagner, on doit apprendre à bien perdre”.

C’est ce qui est génial dans le football ; sa simplicité. Après une semaine où il est difficile de dire où on est ou comment on va, le fait de gagner, faire un nul ou perdre est un soulagement et un échappatoire. Le football vous donne un sens clair de la réussite.

“C’est pourquoi je joue au foot. Ça me rachète. Je sais que c’est cavalier de dire ça, mais si Kurt Cobain avait joué au foot, il serait probablement vivant aujourd’hui. Je sais que ça sonne comme la chose la plus ridicule mais, si tu joue au foot, tu sais ce que ça veut dire. Le foot m’a donné la simplicité que je suis toujours en train de chercher. Je veux juste être une simple personne. Je veux être normal”.

Cela n’existe pas.

“Non, bien sûr, mais encore une fois, si. Ça s’appelle le foot”.

N’y-a-t-il pas quelque chose que le football ne peut régler alors ?

“Je trouve ça de plus en plus difficile de trouver des choses qu’il ne peut résoudre. L’amour, peut-être. Il ne règle rien entre les hommes et les femmes, mais je pense qu’il peut régler la plupart des choses entre les hommes et les hommes”.

Certains déclarent que le sport est juste un substitut de guerre.

“Ça pourrait être vrai. Ma famille n’est pas intéressée par le foot et c’est probablement parce qu’ils étaient tous, d’un côté, adeptes de l’objection de conscience et, de l’autre, des fermiers. Alors je suis le premier de mon clam à devenir provocateur. Le reste sont tous assez passifs et civilisés”.

Il doit y avoir un gène isolé.

“Oui ! Je suis le premier voyou qui boit de la bière !”

Eh bien, tu étais heureux d’apparaître dans un premier numéro de Loaded et tu as embrassé le revival lad dès le début.

“Ouais, je sentais que quelque chose arrivait, mais aussi je savais qu’il y aurait une réaction très violente contre les groupes américaines une année en avance. Je suis assez bon à savoir en gros ce qu’il se passe. Je pense que la raison pour laquelle on a survécu pendant si longtemps, c’est qu’on comprend ça même si on n’incarne rien en particulier. On a toujours été une incarnation mais pas celle de ça.

“David Bowie était comme ça. Trois ou quatre de ses albums sont dans mes préférés. Je comprends totalement comment il captait ce qu’il se passait à chaque fois et se moulait autour. Il aimait complètement se métamorphoser”.

La rumeur veut que tu aies beaucoup traîné avec lui.

“Non, pas vraiment. Il semblait me suivre partout pendant une semaine quand on travaillait sur le clip de Country House avec Damien Hirst”.

Il semble un peu perdu aujourd’hui.

“Ouais, je ne suis pas certain de comment il va… Je ne suis pas sûr qu’il passe assez de temps aux bons endroits. Je suis sûr que s’il le faisait, il irait bien”.

Concevoir du papier-peint n’a pas été la meilleure idée qu’il ait eu.

“Eh bien, ce n’est pas important. Damien a donné l’illusion que l’art est important parce que c’est un si bon vendeur et qu’il a un côté tabloïde excellent”.

Pourquoi avez-vous travaillé avec lui ?

“Eh bien, évidemment j’aime à penser qu’il y avait cette période, en 1987/88 à Goldsmiths, où il y avait beaucoup de bonne pensée qui se faisait sur comment, dan l’avenir, sa génération s’exprimerait d’une forme ou d’une autre. Mais, très honnêtement, c’est Alex. Tu sais qu’il aime le Groucho’s. Il aime les yachts. Il est amoureux de Damien Hirst. Pauvre Alex – il a grandi dans la mauvaise décennie.

“Alors, les premières fois que j’ai rencontré Damien, je disais juste T’es un pauvre type. Tu bosses avec Dave Stewart, David Bowie, David Bailey, David Gower putain… n’importe qui. Achète toi une vie, mec. Mais c’est un mec génial et il a cette quantité énorme d’énergie et il était d’accord avec mon idée que ça serait génial de faire un clip qui était assez Benny Hill”.

Cela n’a pas vraiment fonctionné, n’est-ce pas ?

“Eh bien, ça a marché dans le sens où on est numéro un. et il a fait la une du Sunday Sport. Il a marché, en gros, parce qu’on a utilisé des filles de la Page 3 plus que tout”.

Comment l’a pris Graham ? Il sort avec une des Huggy Bear, n’est-ce pas ? Sa vie a dû être un enfer.

“Ouais, je pense que oui. Mais Graham n’a pas l’option de dire Non, je ne veux pas faire ça et, si non, alors il a dû faire avec. Il est très complexe, Graham. Il y a cinq côtés différents chez Graham et ça dépend de quel côté il est ce jour particulier quant à savoir s’il est d’accord ou non avec quelque chose.

“Le truc bizarre, c’était que beaucoup de personnes de notre boîte de disques ont vraiment été offensés par le clip et ils voulaient qu’on le refasse. Mais quand ils l’ont montré à leurs mômes, ils ne pouvaient pas s’arrêter de le regarder, alors tout à coup, tu sais, c’est devenu un grand clip. Il y a tant de gens qui sont venus me voir en disant Je n’y crois pas que Joanna Guest est dans ton clip. Elle est comment ? Alors ça a marché parce qu’il a embrassé le sentiment tabloïde de ce que ces dernières semaines ont été”.

Pour la première fois, l’écriture de l’album est attribué à “Albarn”. Avant, c’était plus démocratique. Est-ce que cela veut dire que tu es l chef maintenant ?

“Non, bien sûr que non”.

D’accord, alors quelle était la contribution de Graham sur The Great Escape ?

“Eh bien, ce que Graham voulait faire sur cet album était juste bizarre. C’est difficile à expliquer, mais il fait sonner les choses justes. Tu sais, il met une difficulté dans les choses que je fais qui ne serait pas là sinon. Comme le solo de guitare dans Country House qui est très subtile mais c’est juste… fou. De la même maière que moi et mes paroles, il n’est pas prêt à s’asseoir et débiter des notes de blues.

“Mais, ceci dit, j’ai vraiment eu l’impression que je me battais à cette occasion alors j’étais probablement assez agressif sur ce que je voulais faire”.

* * *

Pourquoi avoir appeler l’album The Great Escape ?

“Bon film (La Grande évasion). C’est un mec très charmant, Steve McQueen. Je ne trouvais rien qui était drôle. Je m’étais épuise avec les paroles et Alex a sorti ça. Il ne l’aimait pas mais moi oui parce que c’était exactement de quoi parlait l’album, dans le sens où tous mes personnages ont toujours fui ou essayé de devenir quelqu’un d’autre ou de revenir au bercail après être parti.

“Stephen Street pensait qu’il s’appelait comme ça parce qu’on avait réussit à écrire un album qui succède à Parklife, mais c’était la dernière chose que j’avais en tête”.

Et pourquoi tous ces sous-vêtements à fanfreluches et ces trucs pervers dans Stereotypes et Mr Robinson’s Quango ?

“Chais pas. Je ne suis pas vraiment très intéressé par les sous-vêtements du tout, mais dans les chansons… Chais pas. Ma tante tient un B&B et elle est convaincue que Stereotypes parle d’elle donc je veux juste dire, officiellement, ça n’a rien à voir avec toit, tata. Mais avec Mr Robinson’s Quango, je suis allé voir mes grand-parents à Grantham et j’étais à la gare et je voulais aller aux toilettes et lors quand je me suis assis, sur la porte, il y avait écrit au feutre : “I’m wearing black French knickers on under my suit / I’ve got stockings and suspenders on / I’m feeling rather loose” et c’est de là que j’ai pris toute la chanson. Juste l’idée que quelqu’un à Grantham, qui faisait manifestement la navette vers Londres, s’était assis là et avait écrit ça ! Je trouvais ça merveilleux. Espérons que cette personne saura qu’elle a été immortalisée”.

Tu le trouves vraiment merveilleux ou n’est-il pas simplement triste ?

“Eh bien, c’est un personnage désespéré, un maire ou quelque chose dans le genre, quelqu’un d’assez important qui pince le derrière de sa secrétaire. Un travesti qui prend de la drogue. Un franc-maçon. C’est l’homme qui a tous les secrets honteux de la famille. On pourrait passer des années à le disséquer”.

C’est l’archétype de l’Anglais.

“Eh bien, pas vraiment. Tu le penses ?”

C’est tous les faits divers du dimanche.

“Oui…”

… Mais amplifiés et concentrés, tout comme The Great Escape.

“Ouais. C’est le nouveau Daz amélioré”.

C’est la fin de la trilogie, n’est-ce pas ? Vous n’allez pas recommencer.

“J’en n’ai pas l’intention. C’est le dernier”.

Et la suite ?

“Oh très différente. Je suspecte que ce LP nous mettra dans une position avantageuse”.

Pas le quadruple album concept !

“Non, rien de ça. Je suis une personne pop différence maintenant. Je suis très pop. Ah ah ah. Je pense que la chose la plus satisfaisante chez nous, c’est qu’on est sur la couv de Sugar, de Big, de Smash Hits et du NME. Tout l’éventail. Tout le monde nous regarde. Je ne veux pas perdre ça.

“Ce qui est intéressant, c’est qu’à l’époque de Parklife, Kurt Cobain est mort, et à la même époque, Robbie a quitté Take That. C’est bizarre mais ces choses arrivent. C’est comme, tu as déjà joué à ce jeu qui s’appelle Risk ? C’est comme ça vraiment. Des continents entiers deviennent la possession de quelqu’un d’autre”.

Es-tu en train de dire que tu es béni ?

“Ouais, dit-il en riant. Je pense que oui. Allons voir ce que fait Alex…”

Et sur ce, il sort en traînant les pieds dans la rue, bière à la main, le soleil dans les yeux, dans les bras de sa ville, ses fans, dans les feux éblouissants du reste de sa vie.

Traduction –  4 janvier 2012

Attrape moi si tu peux

En pleine Guerre Froide à Londres, les services secrets britanniques découvrent qu’un agent russe (dont l’identité demeure un mystère) a profondément infiltré l’organisation. Tinker (Toby Jones), Tailor (Colin Firth) et Soldier (Ciaran Hinds) sont les noms de code assignés aux suspects, tandis qu’un ancien agent à la retraite, George Smiley (Gary Oldman) est chargé de l’enquête interne (naturellement secrète). Adapté du roman de John Le Carré, Alfredson choisit de situer la scène dans une Europe qui semble détachée de la littérature, plutôt que dans la réalité. Décors poussiéreux, bureaux mal éclairés, squares désertés, interrogations exécutés avec une efficacité sans faille tandis que le secrétaire lit le papier – le tout dans un monde au bord de l’invisibilité. Il y a de nombreuses intrigues secondaires, montrées principalement en flashbacks, avec grande difficulté, dans un film où les atmosphères laconiques et humbles et les grands efforts de la distribution subsistent plus longtemps que le final.

G.V.

Réalisateur : Tomas Alfredson
Distribution : Gary Oldman, Tom Hardy, Colin Firth
Intrigue : Adapté du célèbre roman de John Le Carré, couvrant la recherche d’une taupe du KGB qui a infiltré les services secrets britanniques durant la Guerre Froide

LE VERDICT : 3/5

Traduction : 31 décembre 2011

Le dernier épisode de la saga contente les fans avec une atmosphère romantique et sensuelle, mais il satisfait aussi ceux qui n’aiment pas l’extase de l’amour, avec des scène d’horreur gore que Twilight n’a jamais vu auparavant

Marita Toniolo

Les films ont toujours été connus pour prendre d’énormes libertés par rapport aux histoires de leurs livres respectifs ; mais en ce qui concerne les sagas dont les fans sont légions, nous parlons d’objets cultes qui devraient être traités avec le plus grand des respects, à moins que vous soyez préparés à vous faire frapper par leurs acolytes. Révélation, réalisé par Bill Condon (Ni dieux ni démons), s’articule sur le fatal “Je le veux” de Edward et Bella. L’atmosphère de toute la première partie est ampoulée et hyper-romantique, mais un cauchemar grand-guignolesque fait déjà une apparition entre les scènes les plus pittoresques du film, dans une représentation freudienne des peurs non déraisonnables d’un festin de mariage dans lequel la plupart des invités et le marié lui-même sont des vampires.

Le scénario satisfait les besoins de ceux qui pensaient que l’auteure Stephenie Meyer s’était un peu emportée dans la description de la nuit de noces, créant une lune de miel qui est peut-être un peu verbeuse avant d’arriver à l’apogée. Quant au point culminant, il n’offense pas le bon goût, mais offre une série de baisers et de câlins et un peu de préliminaires qui rendent justice à un moment qui a été attendu avec impatience depuis pas moins de quatre films. Le tournant arrive au milieu du film, avec la grossesse inattendue de Bella – pensée auparavant impossible par les deux amants, puisqu’ils appartiennent à différentes espèces. Mais comme dans toute série qui se respecte, le sort attend toujours en embuscade pour changer les projets des gens, et le changement vers l’horreur/le sang arrive à la joie de tous ceux (les petits-amis “traînés” au cinéma) que le ton à l’eau de rose de la première partie rendait malades.

Condon, qui travaille pour la première fois sur le phénomène Twilight, réussit à bien s’intégrer avec une adaptation fidèle, une sensibilité et une attention envers les personnages, dont les éléments les plus intéressants sont les personnages principaux qui grandissent. D’un côté il y a Bella qui arrête de se tordre d’amour et qui finit par prendre sa vie en main, fait face au mariage à 18 ans et décide de garder un bébé qui pourrait être sa mort. D’un autre, nous avons Edward, qui doit choisir entre la vie de sa conjointe et de son fils. Finalement, Jacob, toujours le personnage le plus tourmenté et rebelle de tous (et pour cette raison également le plus intéressant) qui assure le rôle de mâle alpha de la meute. Il n’était pas facile de porter le plus controversé des quatre romans de Meyer sur grand écran (la plus controversé parce que les critiques le considéraient à l’unanimité comme trop long et ennuyant pour sa majeure partie), mais Condon a réussi à le rendre plus stimulant en mettant en avant le thème de la croissance et les changements qui s’ensuivent.

Réalisateur : Bill Condon
Distribution : Kristen Stewart, Robert Pattinson et Taylor Lautner
Intrigue : Les Quileute et les Volturi se rapprochent des futurs parents Edward et Bella, dont l’enfant qui doit naître représente différentes menaces pour la meute de loups et le clan de vampires

LE VERDICT :
Adaptation fidèle du roman. Ultra-romantique, mais avec des pointes d’horreur. C’est fait sur mesure pour les fans

3/5

Traduction – 31 décembre 2011

Raiponce
Film 4/5 Bonus 2/5

Ayant eu un succès mitigé en créant leur propre princesse dans la Princesse et la Grenouille, Disney ranime l’une des princesses les plus traditionnelles dans une version énergique de Raiponce qui ressemble à tout sauf à Grimm. Trouvant un peu de place entre la parodie du style Shrek et la sincérité de la Souris de la maison, les co-réalisateurs Nathan Greno et Byron Howard ont transformé avec surprise la bonne vieille histoire en quelque chose de tendance.

On pourrait vraisemblablement voir un parallèle entre la mentalité isolationniste des États-Unis et la peur de l’inconnu qui contribue à garder Raipponce (Mandy Moore) prisonnière. Ou on pourrait assimiler sa ravisseuse – une vieille bique (Donna Murphy) qui utilise ses cheveux magiques pour rester jeune et belle – aux nombreuses femmes d’un certain âge qui ont eu recours à la chirurgie. Mais encore, c’est l’aura éternel qui distingue le 50ème film d’animation de Disney de la cuvée actuelle de dessins animés oubliables en images de synthèse, le scénariste Dan Fogelman se tenant sagement à l’écart de la sorte de références pop-culturelles qui dateront ces films aussi certainement que les cernes des arbres.

Il est vrai que les chansons de Alan Menken ne sont pas particulièrement mémorables, étant ouvertement tributaires des fioritures linguistiques quand un refrain décent aurait suffi. Mais en général, c’est un film plein d’exubérance appréciable. Avec seulement deux ouvertures alternatives sur le DVD, vous feriez mieux de vous procurer le Blu-ray – plus de chansons, plus de scènes et un making of.

Neil Smith

Bonus

Ouvertures alternatives – Scènes supprimées (BD) – Chansons étendues (BD) – Making of (BD)

Traduction – 13 décembre 2011

127 Heures
Film 4/55 Bonus 3/5
Sortie le 6 juin

La prestation terne de James Franco en tant que présentateur des Oscars a beaucoup éclipser l’une des raisons clés pourquoi il a décroché le job en premier lieu :  à savoir, sa prestation nommée aux Oscars dans 127 Heures dans le rôle d’un grimpeur dont le bras est piégé par un rocher qui tombe pendant qu’il fait de la randonnée dans l’Utah. Comme c’est ironique qu’il soit plus animé quand il est rendu désespérément immobile dans le film de Danny Boyle que lorsqu’il est sur la scène du Kodak Theatre avec une liberté totale de mouvement. Il y a des moments où il semble vouloir imiter la fuite et l’amputation du bras de son personnage plutôt qu’échanger une autre vanne avec Anne Hathaway ou participer à une autre parodie crétine.

Heureusement, longtemps après que les souvenirs de cette soirée ignominieux seront oubliés, son œuvre ici continuera à vivre – testament au talent avec lequel l’homme de Milk suit le parcours de la métamorphose de Aron Ralston d’hédoniste outrecuidant à survivant stoïque avec une appréciation nouvelle pour la vie et ceux qu’il aime. Présente dès le départ comme un amateur de sensations fortes avec un souhait de mort aussi grand que son sourire insouciant, Ralston donne l’impression d’être une andouille. Mais après sa chute fatale – un point de l’intrigue que le scénariste Simon Beaufoy repousse astucieusement en jumelant Franco avec deux voyageuses angéliques (Kate Mara et Amber Tamblyn) pour du chahut dans un lac rocheux – un nouvel Aron émerge : un blessé et vulnérable, certes, mais un avec des immenses réserves de courage et d’endurance.

Pour une star souvent définie par sa réserve hipster, c’est une certaine réussite qu’il se libère de son aura de cool et s’expose de manière aussi nue. Pourtant, aussi impressionnant qu’est Franco ici, il ne volerait pas sans la réalisation éblouissante de Boyle, qui transforme la situation peut-être la plus statique jamais imaginée en un déluge sensoriel qui fait écarquiller les yeux de flashbacks, séquences de rêve, écrans séparés et réserves de multiples films. Que ce soit enregistrer les hauts et les bas de l’héroïnomanie dans Trainspotting, chercher le paradis dans The Beach ou voyager dans l’espace dans Sunshine, les films de Boyle ont toujours montré un dynamisme agité et cinétique. Le coup dans 127 Heures est d’apporter la même technique pour porter une histoire où le seul mouvement est à l’intérieur de l’esprit de son héros désespéré et déshydraté tandis qu’il change d’avis sur la seule option qui lui reste, à part la capitulation et la mort.

Lançons des lauriers au réalisateur de Slumdog Millionaire pour l’utilisation de la bienveillance et du poids de ce film pour pousser ce projet à la gestation longue à la réalité, et pour s’accrocher à ses idées jusqu’à son point culminant horrible. Pourtant, l’ayant vu une fois, combien choisiront de revenir l voir ? On peut probablement les compter sur les doigts d’une main…

En plus du commentaire audio des cinéastes, des scènes supprimées (sagement) et des featurettes (dont une détaillant la tentative de sauvetage de Ralston), les fans de blu-ray auront le droit à l’histoire de fléchette sans expression God of Love, lauréat de l’Oscar du meilleur court métrage cette année. Et pourquoi pas ?

Neil Smith

Bonus
Commentaire – Scènes supprimées – Making Of – Featurettes – Court métrage (BD)

Point de discution
Aron Ralston voulait à l’origine faire un documentaire de sa vie dans lequel il serait apparu dans son propre rôle. Boyle a réussit à le dissuader. “Personne n’y aurait cru”, dit-il.

Traduction – 11 décembre 2011

Black Swan
Film 4/5 Bonus 3/5
Sortie le 16 mai

“Fait à mort, je sais” dit l’imprésario Thomas joué par Vincent Cassel du Lac des cygnes. Ses ingrédients peuvent ête familiers, mais le frisson de son renversement danse du spectacle de Darren Aronofsky qui en fait son propre matériel par la pure force de sa volonté directoriale et un flair pour faire briller les étoiles.

Aronofsky promouvoit son cinquième film comme “un film de cygne-garou” dans les bonus, hybride qui semble délicieux mais un qui n’effleure que la surface du film. C’est une symphonie de chair écorchée, de douleur orgasmique et d’extase trouvée. C’est un mélodrame en coulisses au bord de la folie, la terreur de la transformation en tutu, un film de changement de tête qui a mal tourné, de l’horreur du corps en leggings et la danse des Chaussons rouges sur la musique dérangée de Dario Argento. Ce devrait être n’importe quoi :  que des allusions, pas de mise au point.

Un coup d’œil aux parallèle de Black Swan avec The Wrestler prouve l’empreinte de Aronofsky, cependant. Un film sur une grosse brute vieillissante et l’autre sur une fille poussée à la folie par la demande de jouer les Cygnes Blanc et Noir du Lac des cygnes, mais la déclaration de Aronofsky que ce sont des films jumeaux tient le coup. Tous les deux pèsent lourd sur leurs acteurs principaux, Mickey Rourke dans le rôle de Randy et Portman dans le rôle de Nina, femme virginale qui incinère sa répression dans les flammes d’un rôle d’étoile qui nécessite de la passion à l’état brut. La peau de Portman est d’albâtre au steak haché du visage de Rourke, mais les deux films s’extasient sur l’agonie et l’extase dans le plus grand effet spécial du cinéma  le visage humain. Les deux préfèrent la caméra portée et les couleurs fades, soulignant le psychodrame sur le style et les décors. Et les deux brouillent les frontières entre l’humain et l’animal, bélier/homme et cygne/femme, se concentrant sur la chair à son plus “viscéral et réel”.

Black Swan est plus baroque que The Wrestler, mais de manière appropriée et avec des échos résonnants à l’œuvre précédente de Aronofsky. La grandiloquence arrive avec la musique retentissante de Tchaïkovski, ici effrontément malmené par Clint Mansell ; l’accent mis sur les dégâts psychologiques rappelle Requiem For A Dream.

* * *

On peut avancer que les attitudes de Aronofsky envers les femmes sont régressives, renforcant les dichotomies vierge-salope ou les caractérisant comme hystériques. Mais, aux côtés d’un Cassel qui se lèche les babines, les trois générations de femmes impeccablement choisies ici se délectent à l’idée de ravir le décor. Mila Kunis est parfaite dans le rôle de la doublure qui fume qui semble désirer le rôle de Nina. Humanisant et détruisant simultanément son rôle potentiellement grotesque de mauvaise sorcière de l’Upper West Side, Barbara Hershey incarne la mère qui a emprisonné Nina dans le rose soit par jalouse, amour étouffant ou psychose que la mère de Carrie White pourrait reconnaître. Et puis il y a Winona Ryder, celle que Portman remplace, choisie dans le rôle d’une ballerine de la vieille époque rejetée mais qui attaque son rôle comme si c’était de la viande et qu’elle n’avait pas mangé depuis des jours.

C’est une corbeille pleine de cakes d’accord, incarnant ceux qui sont instrumentaux dans le déclin de Nina. Nous n’oublions jamais que Nina est nos yeux peu fiables sur les évènements, cependant ; et aussi sûr que The Wrestler suivait la dérive de Rourke, c’est le film dans lequel Portman, récompensée par un Oscar, s’épanouit après des déceptions comme les Fantômes de Goya et (admettez le) Star Wars. La récente déclaration de sa doublure corps Sarah Lane qu’elle a fait toutes les danses déborde d’ironie, étant donné l’emphase peut-être lourde de Swan sur la doublure. Mais que Lane ait dominé ou pas, le visage de Portman nous magnétise, passant de désespéré et réprimé à effrayé, confus, extasié, libéré, psychotique et finalement, s’étant débarrassé de toute assurance, sauvage cinglant en noir.

Peut-être pour la première fois, la fille de Léon semble capable de grandir en intensité avec l’âge – et malgré la jeunesse de Portman, l’âge lie aussi Black Swan à The Wrestler et RFAD. David Cronenberg maintenait que la Mouche, autre tragi-mélodrame de transformation, ne parlait jamais de Sida mais de vieillir. L’âge est de manière similaire l’ombre des ombres de Black Swan, représenté par les personnages aigris de Ryder et Hershey. Et ce pourrait bien être ce que Swan pourrait être vraiment : un miroir des dossiers de Hollywood d’actrices mâchonnées et recrachées, avec des échos à la “promotion canapé” quand Thomas demande au partenaire de Nina : “Tu baiseras cette fille ?”

* * *

Qu’elle ait dansé ou pas, Portman donne toutes les impressions de souffrir pour son art dans les bonus. Les featurettes sur le design sont de la taille d’une bouchée, mais un making of de 50 minutes offre certaines révélations, dont des images de Portman qui fait semblant de se tirer une balle dans la tête alors que Aronofsky crie “Coupez ! On recommence” durant son plongeon du cygne. Les décompositions des effets spéciaux montrent son visage superposé sur le corps de sa doublure, mais Portman s’est entraînée pendant six mois, cinq heures par jour et, reflétait le perfectionnisme de Nina, admet : “J’aurais pu faire mieux”.

Est-ce que Black Swan aurait pu être meilleur ? Probablement. Avec le Randy de Rourke comme exception qui confirme la règle, Aronofsky ne fait toujours pas dans la nuance émotionnelle ; éblouissante comme l’est sa réalisation, ses fioritures stridentes contournent le cœur.

Mais Black Swan est une explosion qui dure le temps du film, poussant à demander un troisième film pour compléter la trilogie directionnelle de Aronofsky. On ne peut s’empêcher non plus de se demander ce qu’il ferait avec une franchise de super-héros – et avec avec une grosse sur le marché bientôt, il serait génial de le voir mettre son cachet sur une certaine chauve-souris…

Kevin Harley

Bonus
Making-Of – Featurettes (BD) – Interviews (BD)

*

SUJET DE DISCUTION
En réponse à la déclaration de Sarah Lane qu’elle a fait toutes les danses, Aronofsky a calculé :  “De 139 plans, 111 sont de Natalie, 28 sont de sa doublure. C’est Natalie à 80%”.

Traduction – 8 décembre 2011

Par Emma Dibbin, Jamie Graham, Kevin Harley, Rod Hilton, Rob James, Richard Jordan, Matthew Levland, Daniel Montesinos-Donaghy, Jayne Nelson, Neil Smith & Josh Winning

LES RELIQUES DE LA MORT

C’EST LA GUERRE

Des duels. De la destruction. La mort. Tout commence à Poudlard. Total Film se rend sur le tournage du dernier épisode de la saga, les Reliques de la Mort : 2ème partie, pour évaluer la dévastation…

Par Richard Jordan

Poudlard est attaqué. Nous sommes en janvier 2010, et Total Film entre dans l’École de Magie et de Sorcellerie pour la dernière fois. La Grande Salle, autrefois fière – décor érigé aux Leavesden Studios depuis l’École des Sorciers en 2001 et scène de nombreux banquets de fin d’année scolaire – est en ruines, décimée par la bataille qui fait rage dehors. La poussière et les débris sont éparpillés partout. Des sorciers agités soignent les défenseurs de l’école qui sont blessés. Des corps encore chauds – dont plusieurs visages familiers – recouvrent les dalles. C’est une vision choquante, mais il est réconfortant de voir que après10 ans, 7 films et plus de 6 billions de bénéfices au box office, la saga Harry Potter part au moins en fanfare.

“En fait, il y a sacrément beaucoup de morts !” s’exclame le réalisateur David Yates tandis qu’il calcule rapidement le nombre de corps dans Harry Potter et les Reliques de la Mort : 2ème partie – sa quatrième et dernière œuvre de la franchise. Il n’a pas tort. Tandis que nous rattrapons l’affable cinéaste durant une rapide pause dans le tournage, nous sommes tout à coup et de manière tout à fait déconcertant entourés de hordes de zombies – des acteurs affamés recouverts d’une couche épaisse de maquillage blafard et sans vie – alors qu’ils se servent de petits choux sur les chariots.

“C’est beaucoup plus adulte que tout ce qu’on a fait avant, dit Yates en souriant. Je veux dire, on a toujours dit ça. J’en ai marre de le dire, parce que je me souviens d’avoir dit que le cinquième [l'Ordre du Phénix en 2007, la première fois de Yates dans la chaise de réalisateur] était un peu plus adulte ! Mais celui-là est particulièrement violent par moment”. Avec le décor qui tient plus d’une scène d’un film de siège médiéval qu’un Harry Potter, est-ce que Yates s’inquiète de soumettre sa version aux cadres des studios qui craignent les classifications ? “Ce sera intéressant quand on arrivera à l’étape du montage et qu’on leur présentera, concède-t-il, mais travailler avec eux est assez raisonnable, je pense parce que les films ont eu tant de succès pour eux. Si l’histoire le demande, ils le soutiendront”.

Alors, qu’est-ce qui a mené à tout ce grabuge ? Le cliffhanger des Reliques de la Mort : 1ère partie de l’année dernière voyait nos héros Harry (Daniel Radcliffe), Ron (Rupert Grint) et Hermione (Emma Watson) échappant de peu à un horrible sort dans le Manoir des Malfoy et se retrouvant dans le désert, à la recherche de la clé de la défaite contre l’archi-Némésis Lord Voldemort (Ralph Fiennes). Pendant ce temps, le méchant perfide a finalement mis ses pattes squameuse sur la puissante Baguette de Sureau – l’une des Reliques titulaires qui donne à celui qui la possède le don l’immortalité. Ces deux fils d’intrigue deviennent critiques dans la 2ème partie, préparant le terrain de l’épreuve de force épique qui ravage Poudlard et coûte la vie de nombreux favoris de la série.

“Je suis vraiment pressé de voir tous les trucs de bataille”, s’extase Grint, qui est tout aussi excité de voir la finale sur grand écran que les millions de fans de Harry Potter impatients de part le monde. “Ça va être quelque chose de voir tous ces décors détruits, comme la Grande Salle – cette boule enflammée de gravats avec des cadavres éparpillés partout. La voir effondrée a eu un effet bizarre sur moi, parce que c’est un lieu assez important pour nous – c’est là où on a grandit. Ça va vraiment paraître cool, cependant !”

Radcliffe, pendant ce temps, promet que l’action dans la 2ème partie est “assez extraordinaire”, avec Yates encourageant les acteurs et l’équipe à intensifier leur travail quand ils en sont venus à tourner les séquences spectaculaires. “Hier, je tombais des escaliers encore et encore, dit l’acteur jovial, ce qui était marrant, mais on en arrive au point où on sort J’ai fait ça beaucoup maintenant”. Pourtant, malgré son apparence ensanglantée, au moins les cicatrices et les bleus (“variété de blessures de diverses chose qui m’arrivent dans la bataille”) peuvent s’enlever à la fin de la journée… enfin, la plupart des jours. “J’ai quitté le tournage en les portant avant”, il sourit derrière son maquillage de guerre. “Parfois c’est par fainéantise, parfois ils partent pas alors je dis simplement Laisse les – on dirait que je travaille plus dur que la vérité !”.

Tout en relevant la barre des cascades, l’abondance de confrontations magiques brutales face à face de la 2ème partie dévoile un nouveau style de duels. “Avec les mouvements de baguettes, ils ont en quelque sorte changé tout le concept, explique Grint. Avant, on avait ce chorégraphe de ballet qui nous apprenait à faire ces petits mouvements sifflants. C’était un peu maniéré. Mais maintenant, ça ressemble bien plus à un combat d’épées – c’est bien plus agressif et puissant”.

La pause étant finie, c’est de retour direct aux affaires pour les jeunes acteurs principaux, tandis que Total Film et une foule d’autres spectateurs se blottissent autour du moniteur de la salle de tournage pour voir la scène se dérouler. C’est une grosse raclée émotionnelle avec Harry qui s’arrête pour voir les conséquences violentes de la vendetta de Voldemort contre lui et Grint devant faire appel (de manière impressionnante) à de fortes réserves d’émotion avec la découverte d’une victime de guerre particulière. Derrière le moniteur, il y a beaucoup de gorges serrées et beaucoup de personnes pratiquent leur meilleur “j’ai une poussière dans l’œil”…

“C’est une scène assez chargée sur le plan émotionnelle, explique Yates. Les gars sont arrivés ce matin avec beaucoup d’ambition. Ils veulent bien le faire. Mon boulot, c’est de les faire se sentir à l’aise et de leur souffler dans l’oreille si je pense qu’ils en font trop ou s’il passe à côté de quelque chose”. Grint, qui sourit toujours après plusieurs prises de scènes dramatiques épuisantes, attribue à Yates le pouvoir d’avoir sorti sa performance la plus intense de la série. “Je pense qu’il y a un peu de pression sous-jacente parce que tout le monde veut que ce soit le meilleur, admet-il. Mais David est génial, surtout avec les grosses scènes. Il est si relax – il te prend à part et te donne un bon laïus d’encouragement qui te met vraiment à l’aise”.

Bien que la scène d’aujourd’hui les essore, il y a une abondance saine d’humour macabre au sein des acteurs. Tandis que l’équipe se prépare pour une autre prise, un soudain tapage aviaire retentit des chevrons au-dessus de nous. “Vous pensez que c’est un vautour ? demande Watson, pince-sans-rire. Il y a beaucoup de cadavres ici…”

Les jeunes acteurs sont aussi soutenus par l’armée habituelle de comédiens britanniques expérimentés – rien que la scène d’aujourd’hui comprend des gens comme Maggie Smith, Jim Broadbent, David Thewlis et Julie Walters. Et, même si c’est le 195ème jour d’un tournage déprimant qui en comptent 250, l’énergie des acteurs ne montre aucune signe de déclin. “Ça a été vraiment dur de faire deux films à la suite, dit Watson. Mais il y a définitivement une conscience que voilà, c’est le final, et tout le monde est juste désespéré de donner sa meilleure performance. Tout le monde donne tout ce qu’il a”.

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LE VOYAGE CONTINUE…

Total Film arrive dans le parc à thème Potter

Il fait 35 degrés à Orlando pourtant il y a de la neige sur les toits. Où d’autre pouvons-nous être mais au Wizarding World Of Harry Potter, coin des Îles d’Aventure du parc à thème Universal qui est dédié à toutes les choses Rowling. Les queues sont décourageantes, mais il vaut la peine de les tolérer pour l’attraction principale dernier cri : un Forbidden Journey au travers les couloirs de Poudlard qui nous voit fuir les dragons, affronter des Détraqueurs et jouer au Quidditch. Le tire-bouchon Dragon Challenge et les montagnes russes junior Flight Of The Hippogriff offrent des frissons traditionnels, tandis qu’une maquette élaborée de Pré-au-Lard offre aux Moldus beaucoup d’opportunités à dépenser leur argent. Cinq ans de construction, c’est Disneyland pour les Potterphiles. Mais bon Dieu, les queues sont longues… NS

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MORCEAUX DE RÉALITÉ

Comment le monde des Moldus a changé depuis que Potter est arrivé sur les écrans.

2002 La Résolution de la Guerre en Iraq passe au Congrès et la Guerre en Iraq commence en mars 2003.

2003 Saddam Hussein est capturé par les forces américaines le 13 décembre près de Tikrit en Irak.

2004 Les voleurs à main armée dérobent le tableau de Edvard Munch Le Cri dans un musée de Oslo.

2005 Le Pape Jean-Paul II meurt le 2 avril. La Messe de Requiem est reconnue comme le plus grand rassemblement d’États de l’histoire.

2006 Zinédine Zidane donne un coup de boule au défenseur italien Marco Materazzi lors de la finale de la Coupe du Monde. La France a perdu.

2007 Le dernier livre de Harry Potter par J.K. Rowling est publié. Il ne se finit pas par le mot cicatrice comme l’avait promis Rowling. Quel outrage !

2007 L’interdiction de fumer dans les lieux publics rentrent en application au Pays de Galles le 2 avril et en Angleterre le 1er juillet.

2008 Grâce à Twilight, les vampires deviennent les nouveaux sorciers. L’hystérie R-Pattz démarre.

2008 Barack Obama est élu président des États-Unis, le premier afro-américain à assumer le titre.

2009 Kanye West énerve Taylor Swift lors d’une cérémonie des MTV Awards et “I’mma let you finish” entre dans  le lexique.

2010 Un volcan islandais rentre en éruption, envoyant un nuage de cendres au-dessus de l’Europe et forçant les présentateurs des journaux à prononcer Eyjafjallajökull. DMD

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LE TOUR MYSTÉRIEUX ET MAGIQUE

Le gourou des effets de maquillage Nick Dudman emmène Total Film dans un voyage au pays de l’atelier des créatures de Harry Potter et nous montre ses préférées de la franchise…

Fumseck

Le super oiseau aux plumes de feu, défenseur de Dumbledore.

Le phénix immortel apprivoisé du directeur de Poudlard – vu aider Harry dans son combat contre le Basilic dans la Chambre des Secrets – était si vrai, que même l’original Dumbledore Richard Harris s’est fait avoir. “Richard a fait toute cett scène avec Fumseck, dit Dudman en gloussant. Il y avait cet énorme câble d’animatronique qui traversait le sol, avec 12 personnes derrière qui poussaient les leviers avec frénésie. À la fin, il est allé voir un de mes gars, qu’il pensait être le maître, et il a dit C’est étonnant comment ils entraînent ces oiseaux. Et Chris [Columbus] a dit Euh, c’est juste une marionnette. Il a juste sorti Vas te faire foutre ! J’ai pris ça comme un compliment”.

Buck

Cohorte hybride équin/aviaire de Harry et compagnie.

L’Hippogriffe (mi-cheval, mi-aigle) loyal de Hagrid , sauvé de la hache d’un bourreau dans le Prisonnier d’Azkaban, est l’une des réussites dont Dudman est le plus fier sur la franchise Potter.

“Le meilleur côté du boulot pour moi, c’est quand les gens croient à l’illusion, s’extase-t-il. Quand on a construit l’Hippogriffe et qu’il était dans les bois avec rien de visible qui le faisait bouger – tout était enterré sous des feuilles – j’ai trouvé ça fantastique, parce que tout le monde y réagissait. Si tu t’approchais, il te pinçait. J’ai mettre devant les gens les choses qu’ils ont toujours voulu voir mais ils savent qu’elles n’existent pas. C’était là. C’était réel. Et pour moi, c’est la magie”.

Gobelins

Mini magiciens aux oreilles pointues et à l’esprit vif.

L’un des plus gros défis pour Dudman et son équipe a été la séquence d’ouverture des Reliques de la Mort : 2ème partie, qui voit Harry et sa troupe entrer par effraction dans la banque gouvernée par les gobelins, Gringotts. “Dans celui-là, on a fait 38 prothèses majeures de gobelins, avec 20 autres pour le fond, explique Dudman. Chaque maquillage de gobelin est constitué de trois à six morceaux, alors c’était un énorme travail de production de masse. On a pris une centaine d’apprentis supplémentaire et on leur appris à planter les cheveux et les poils, peindre le silicone, coller les morceaux et préserver la peau. Obtenir ce nombre de gobelins de manière simultanée sur le tournage a été un cauchemar logistique, mais on s’en est bien sorti à la fin…”

Le Basilic

Roi des serpents, serviteur monstrueux de Voldemort.

L’une des créations de J.K. Rowling qui font le plus peur, on peut toujours trouver la colossale bête au sang froid qui a combattu Harry dans la Chambre des Secrets qui se cache dans les entrailles des Leavesden Studios. Enfin, une partie… le Basilic a été mi au monde à l’écran via un mélange d’effets spéciaux et physiques. “On a construit une tête et 6 mètres du corps, ce qui vous donnait l’interaction en gros plan, explique le pilier de la série Dudman, mais en aucun cas on pouvait faire un serpent ondulant de 21 mètres de long à la circonférence d’une Mini. Ça n’allait pas arriver. Peu importe combien j’aimerais essayer, les lois de la physique sont contre moi !”.

Le Troll

Balourd qui balance un gourdin qui est tout dans les muscles et rien dans la tête.

L’ogre lourd auquel Harry, Hermione et Ron s’attaquent dans l’École des Sorciers est principalement constitué de pixels, mais Dudman a commissionné un modèle taille réelle pour les scènes d’après-combat qui voit la créature sur les dalles. Sa caboche laide a toujours une place de choix dans l’atelier de Dudman, mais il a vu des jours meilleurs. “Il se désintègre, révèle l’artisan. Le Troll a été fait par la Henson Organisation il y a dix ans et le silicone était si épais et huileux qu’il s’effondrait sous son propre poids. La tête est tout ce qu’on a sauvé. Ce truc n’est pas infini. Mais il est dans le film, qui est l’endroit où il appartient”.

Fenrir Greyback

Homme-loup meurtrier, Mangemort à temps partiel.

L’acolyte hirsute de Voldemort (joué par le boxeur Dave Legano) étalera sa brutalité lupine dans les Reliques de la Mort : 2ème partie, dans lequel il mène ses comparses loup-garous dans la Bataille de Poudlard. “On doit regarder chaque loup-garou de l’histoire du cinéma pour éliminer des choses, alors il ne ressemble à rien d’autre”, dit Dudman.

“Et puis on voit le Loup-garou de Londres et pense Comment faire mieux que ça ? Et en fait, je ne pense pas que je peux. Mais on recherche toujours quelque chose de frais et nouveau… On essaie juste de se surpasser”. RJ

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L’ULTIME MONSTRE

Le Némésis de Harry surgit sous de nombreuses apparences…

L’École des Sorciers

La seule solution quand un mage noir revenu des morts plante sa tronche sur le derrière de votre tête : couvrir avec un turban.

La Chambre des Secrets

Paraissant tout de suite plus attirant sous la forme du jeune Christian Coulson vêtu d’un uniforme d’école.

La Coupe de Feu

Un pas en arrière cette fois. Voldy revient en tant que Ralph Fiennes chauve et flippant, sans son pif.

L’Ordre du Phénix

Gagnant du pouvoir, des disciples, empilant les morts, mais ne semble toujours pas savoir se faire pousser un vrai blair.

Le Prince de Sang-Mêlé

Hero Fiennes-Tiffin au nom unique rentre dans les pas de Voldy jeune. Il a un nez.

Les Reliques de la Mort : 1ÈRE PARTIE

À quoi bon être tout puissant si tu n’as pas un chirurgien esthétique décent en numérotation abrégée ? ED

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L’HÉRITAGE DE HARRY

Total Film jette un œil nouveau sur les épisodes de Potter

MOLDUS ATTENTION : ALERTE AUX SPOILERS

Harry Potter à l’École des Sorciers

3/5 – En voiture ! Le Poudlard Express vous attend…

Arrivant à la suite du 11 septembre, l’adaptation par Chris Columbus du phénomène littéraire de JK Rowling était un remontant bienvenu à un moment où le monde en avait besoin. Bien qu’à peine ensorcelant, le résultat bien réalisé à fait ce qu’on lui demandait : fournir une base solide à une franchise qui avait besoin de marcher avant de voler. Étant donné la quantité d’attente qui entourait ce premier film, on ne peut qu’être reconnaissant qu’il ait livré une partie de, voire toute, sa promesse.

De la promesse, c’était tout ce que Daniel Radcliffe pouvait offrir à ce moment-là, le garçon de 11 ans seulement capable de présenter une approximation du personnage qui deviendra son alter-ego au fil des dix années à venir. On pourrait dire la même chose de Emma Watson et de Rupert Grint. Non, le vrai plaisir dans l’École des Sorciers était les acteurs britanniques secondaire recrutés pour incarner les personnes que Harry rencontre alors qu’il commence sa première année à Poudlard – du Rogue sarcastique de Alan Rickman à la convenable Professeur McGonagall de Maggie Smith en passant par le Dumbledore à la voix rauque de Richard Harris et l’enjoué Hagrid de Robbie Coltrane.

D’accord, il y a des problèmes. Columbus passe trop de temps à établir le monde d’Harry qu’il en oublie presque de raconter une histoire. Et même en durant 2h30, le film semble bâclé, avec des personnages clé mis de côté et la surprise finale (ne faites jamais confiance à un blanc portant un turban !) qui vient de nulle part. Cela nous a laissé avec un film qui était loin du classique instantané que certains avaient espéré. Pourtant, il a fait ce qui était marqué sur la boîte. NS

LE VERDICT Aujourd’hui classique des programmes télé de Noël, Potter numéro 1 remplissait sa fonction de lever de rideau de la franchise. Mais, avec le recul, il manquait plutôt de magie.

Harry Potter et la Chambre des Secrets

3/5 – Des voitures volantes, des journaux intimes maudits et des araignées géantes.

À un moment donné, la Chambre des Secrets semble avoir gagné une réputation du film Potter le plus faible. La période de Columbus en tant que réalisateur est facilement la moins inspirante de toute la saga, et il manque à la deuxième aventure la poussée narrative et le côté nouveauté de la première. Ce qu’elle offre, c’est plus d’action, plus de caractère, et les premiers vrais pas de la franchise dans la riche mythologie du monde de Rowling.

Le premier acte est incontestablement lent, avec son adhérence servile au livre laissant aucun incident mineur de côté. Mais une fois qu’il trouve son rythme, il trouve vraiment son rythme. L’intrigue principale – la Chambre titulaire est ouverte, du sang déconseillé au moins de 12 ans et du grabuge s’ensuit – est plus irrésistible que l’École des Sorciers, et exploite l’histoire tentaculaire de Poudlard qui devient cruciale plus tard dans la série.

Avec Radcliffe, Grint et Watson s’adaptant encore à leurs métiers d’acteurs, la charge repose sur les adultes : Gilderoy Lockharrt, l’imbécile pomponné joué par Kenneth Branagh est un clou de la série. Plus solennellement, la Chambre des Secrets est le chant du cygne du Dumbledore de Richard Harris, qui a toujours été plus proche du directeur bienveillant de Rowling que la version sombre de Michael Gambon.

La grande partie de l’action se ressent comme un canevas posé pour plus tard – le journal de Tom Jedusor, l’histoire de Serpentard – mais les scènes cruciales possède un véritable sens du péril qui marque un changement de ton pour la franchise. ED

LE VERDICT Bien trop long et trop respectueux, la Chambre des Secrets n’est pas une adaptation géniale. Mais en tant qu’exploration plus profonde du monde de la sorcellerie, il est bien meilleur qu’on ne se rappelle.

Harry Potter et le Prisonnier d’Azkaban

4/5 – Quelque chose de méchant s’approche dans la troisième partie de Cuarón.

“Éteignez cette lumière !” C’est ainsi qu’un tableau fait avec brusquerie à Monsieur Potter tandis que le garçon prodige règne sur les couloirs de Poudlard après le couvre-feu. C’est un ordre pris par Alfonso Cuarón, le réalisateur mexicain du film coquin et artistique à succès Y Tu Mamá También, remplaçant Chris Columbus en tant que réalisateur et donnant des nuances plus sombres et plus profondes à Harry. Sa contribution est comme un baiser de Détraqueur à l’envers : ajoutant de l’âme plutôt que l’aspirer, comme le fait l’avantage unique des gardiens de prison qui ressemblent à des spectres qui sont présentés ici.

Tout commence d’un ton enjoué, quoique chargé d’hormones, avec Harry grondé pour avoir tripoté sa baguette dans sa chambre puis pour avoir gonfler sa tante par rage. Un Harry fou ? C’est valser dans la bonne direction. L’intrigue suit ensuite le même chemin en présentant l’évadé de prison Sirius Black – sorcier fou qui aurait tué les parents de Harry, qui serait après Potter et qui est définitivement joué par Gary Oldman.

Sirius n’est pas le méchant que nous attendons, bien que Cuarón baisse toujours la lumière ici. Le Prisonnier d’Azkaban se déroule sous des cieux maussades et dans la nature sauvage ; même le Quidditch est frappé par la foudre. Un Hippogriffe fait face à l’exécution sous la lame de la taille d’une vielle. Une transformation en loup-garou écrase agréablement les os. Et l’obscurité est judicieusement abandonnée, mettant l’enjouement de la séquence de l’armoire en relief vif avec un contraste clair et ombre.

Luttant contre le confort statique de la supervision de Columbus, Cuarón ajoute un élan directorial et des éclairs de noir qui transforment la franchise. Avec des noirs menaçants et des verts empiétants, lui et son directeur de la photographie Michael Seresin approfondissent les couloirs et plongent les escaliers avec des angles obliques et des caméras rampantes. Pas encore du grand expressionnisme mais on s’y rapproche. Encore mieux, Cuarón apporte un sentiment de la dure route de la puberté, traitement requis étant donné le chagrin de Harry lié à ses parents et la première vision de Hermione d’elle-même d’une perspective extérieure.

Mais quid de Oldman en flot total ? Ou une fin satisfaisante ? Le Prisonnier d’Azkaban n’est pas parfait et au pire, il est prisonnier des complots de Rowling. L’entrée de Black vient trop tard. Les séquences de voyage dans le temps dans le dernier tiers enlève le punch du point culminant. Et tandis que Cuarón essaie admirablement d’éviter l’adhérence servile de Columbus à la page, un peu trop de détails se perdent. Du genre, d’où vient la carte ?

La plupart du temps, cependant, Cuarón nous largue dans les ténèbres de la bonne manière. “Des temps sombres et difficiles sont à venir” est devenu un mantra pour les prochains Potter, mais c’était Cuarón qui a été le premier à baisser la lumière, apportant le style cinglant d’une descente en piquée d’un Détraqueur à la  saga juste quand on en avait besoin. KH

LE VERDICT Les acteurs sont toujours raides et les intrigues restent maladroites, mais le panache directorial de Cuarón apporte une touche de mal terriblement tentante à la saga.

Harry Potter et la Coupe de Feu

4/5

Le réalisateur de Quatre mariages et un enterrement Mike Newell semblait improbable au début, mais il a apporté une envergure cinématique et du flair (plus RPattz) au quatrième chapitre. La Coupe de Feu est l’un des meilleurs livres de la série alors il avait beaucoup de matériel avec quoi travailler ; plus notamment, la structure répétitive agréable des Tâches du Tournoi des Trois Sorciers endurées par Harry, comprenant tout de dragons aux labyrinthes en passant par les Êtres de l’eau. Newell ne se rate pas non plus sur la dernière épreuve de force, non plus, tandis que Harry rencontre enfin le Voldemort de Ralph Fiennes – et il est aussi glacial que nous l’espérions. JN

Harry Potter et l’Ordre du Phénix

3/5

David Yates augmente le tome de 766 pages de Rowling qui casse les poignets avec des éclairs et des explosions filmiques vitaux tandis que Harry tente de convaincre le monde des sorciers que la vipère sans nez Voldemort est de retour. Une lutte acharnée élémentaire Dumbledore contre Voldemort grésille, tandis que le réalisateur débutant Yates enracine la fantasy dans un Londres d’aujourd’hui scintillant. Bien qu’essentiellement c’est juste 150 milliards $ dépensés à établir le lien dangereux entre Harry et Voldie (avec des quantités d’eau qui s’écrasent bruyamment), des grands moments comme l’Ombrage très Thatcher de Staunton gardent la magie vivante. JW

Harry Potter et le Prince de Sang-Mêlé

4/5 – Harry et compagnie attrapent le virus de l’amour.

David Yates n’est certainement pas du genre à se reposer sur ses lauriers. Avec ce sixième épisode, le réalisateur de l’Ordre du Phénix qui revient a paré l’obscurité montante de la série en servant le Potter le plus chaleureux et plein d’esprit – les romances niaises des mômes et leurs hormones rageantes ayant autant le pas que la montée au pouvoir de Lord Voldemort. C’est une approche qui donne un répit bienvenu avant le gravier et l’agitation des Reliques de la Mort, même si Yates esquive le point culminant du livre chargé d’émotion (Dumbledore fait sa révérence plus avec un chuchotement qu’un cri).

Pourtant, le Prince de Sang-Mêlé fait appel à pleins de trucs pour combattre la fatigue de la franchise, dont le jeu parfait de Jim Broadbent en tant que professeur de potions empoté Horace Slughorn et la somptueuse cinématographie nommée aux Oscars – le directeur de la photographie Bruno Delbonell (le fabuleux destin d’Amélie Poulain) peignant Poudlard dans toute sa gloire majestueuse avant son imminente destruction cinématographique. Comme Harry le dit à la fin du film : “Je n’ai jamais remarqué combien cet endroit est beau”. Vous nous plus. RJ

Harry Potter et les Reliques de la Mort : 1ère Partie

3/5 – Nos héros partent sur la route et deviennent des hors-la-loi.

Rester en 2D au lieu de faire une 3D bâclée ? Bonne décision. Donner à la bien-aimée Hedwige une si petite sortie ? Mauvaise décision. Fouetter un gros morceau d’exposition (l’histoire des Reliques) en une magnifique interlude animée ? Bonne décision. Diviser le livre en deux films ? Euh…

Que ce soit un bien ou un mal, les Reliques de la Mort : 1ère partie n’est pas un film, c’est une gâterie, un temps mort, un échauffement… C’est la bande annonce longue de la 2ème partie – sauf que les bandes annonces bougent généralement plus vite que cela. Heureusement, il y a quelques plaisirs là-dedans. nos héros infiltrant le Ministère de la Magie, par exemple – séquence chargée de danger, tachetée d’humour et assez Orwellienne. Ou la rencontre avec le serpent de Voldemort (ce n’est pas un euphémisme) – un choc qui sort de l’écran, même en petite 2D humble. Ou juste la pure somptuosité de la production. Les films Potter ont toujours su comment jeter de l’argent à l’écran et le faire tenir. Celui-ci le jette sur les décors (le Ministère) mais aussi sur les lieux de tournage, donnant à Harry et compagnie une série de belles toiles de fond rocailleuse sur lesquelles faire leur rumination.

De cela, il y en a beaucoup. La quête des Horcruxes passe à l’arrière-plan tandis que Harry, Ron et Hermione comprennent leurs sentiments pour chacun. Désormais, la question de savoir si les acteurs principaux savent jouer est presque discutable – ce sont les personnages, et nous les aimons. Ce qui est une bonne nouvelle dans un film qui n’a pas de début, pas de fin, mais beaucoup de choses au milieu. ML

LE VERDICT Les Reliques de la Mort 1 est un long avant-goût souvent pesant. Mais il est difficile de trouver des défauts à l’art, étant donné que le réalisateur Yates compense le manque d’histoire avec la richesse de l’humeur.

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LES SEPT MERVEILLES

Total Film fait le décompte les meilleurs moments de la série jusqu’à maintenant.

MOLDUS ATTENTION : ALERTE AUX SPOILERS

7 L’épée dans le lac

Les Reliques de la Mort : 1ère partie (2010)

L’un des avantages les moins cynique de séparer le dernier épisode est le temps qu’il accorde au développement des personnages qui tombait auparavant à l’eau. La désertion coléreuse de Ron donne au trois acteurs principaux de la place de réellement jouer, et son retour triomphant pour sauver Harry d’un sort glacial se transforme en séquence d’action à mi-chemin avec un vrai poids émotionnel. Le mystérieux Patronus biche qui mène Harry au lac établit aussi l’une des récompenses les plus satisfaisantes du dernier acte.

6 Le Choixpeau magique

L’École des Sorciers (2001)

Établissant le lieu iconique de la Grande Salle, la scène du Choixpeau magique est également notre première vue dans le monde de Poudlard et ses maisons. La politique de ces divisions par maison n’est jamais passée à l’écran, mais cette scène établit la division entre Gryffondor et Serpentard, tandis que le moment où le Choixpeau considère de mettre Harry chez Serpentard a des répercussions jusqu’à la fin. C’est l’un des moments page à l’écran les plus réussis du réalisateur Chris Columbus.

5 Le bal

La Coupe de Feu (2005)

Oubliez le Quidditch, tenez vos loups-garous, laissez le retour de Voldemort. C’est le moment que certains fans attendaient de voir à l’écran : Potter arrive à la puberté et ce n’est pas beau à voir. La romance Ron/Hermione chauffe avec la jalousie de lui de son rancard à elle, et tandis que les mômes ne sont pas super dans le drame (Grint au moins joue avec beaucoup de retenue, tandis que Watson a recours à des airs dramatiques), l’air de maladresse parfaitement rangé et la douce terreur descend l’expérience de bal d’école.

4 La bataille du Ministère

L’Ordre du Phénix (2007)

Réconfortant même si les jeunes se groupent contre Voldemort, cette séquence climatique est centrée sur les adultes. Helena Bonham Carter pète un câble en tant que Bellatrix pour la première fois, tandis que Jason Isaacs donne calmement froid dans le dos en tant que Lucius aux nouveaux pouvoirs. Mais comme la plupart le saura, c’est le Sirius de Gary Oldman qui vole la vedette. Sa mort relève les enjeux de la série à venir, tandis que la brève possession de Harry par Voldemort évoque une véritable menace.

3 Le combat contre le Basilic

La Chambre des Secrets (2002)

Probablement la séquence d’action la plus mémorable des deux films de Columbus, le combat d’Harry contre un serpent mythique dans les entrailles de Poudlard est un acte final satisfaisant de son propre droit. Mais ce qui fait qu’elle se démarque est la signification plus grande et plus sombre qu’elle prend plus tard. Harry utilise le crochet du Basilic mort pour détruire un journal intime appartenant à Tom Jedusor (alias le jeune Voldemort), moment qui s’avère être clé dans sa destruction suivante dans le dernier épisode.

2 Les Détraqueurs dans le train

Le Prisonnier d’Azkaban (2004)

L’une des créations les plus inspirées de J.K. Rowling, les Détraqueurs sont des silhouettes qui volent l’âme dont l’approche est ressentie par une chute de température et d’humeur. Quand un groupe de Détraqueurs monte à bord du Poudlard Express et l’un s’avance vers Harry, c’est la première de nombreuses scène du Prisonnier d’Azkaban où on ressent la touche sans filet de sécurité de Alfonso Cuarón. À part les parallèles avec les Nazgûl du Seigneur des Anneaux, ceci établit les Détraqueurs comme menace récurrente dans la série.

1 L’attaque du Pont du Millenium

Le Prince de Sang-Mêlé (2009)

Il y a une qualité éternelle dans la majeure partie de la franchise Potter. La banlieue grise des Dursley pourrait être n’importe quel lieu post années 1970, tandis que le monde ensorcelant est si vigoureusement établi dans son propre droit qu’il y a peu de matière pour l’accrocher à une époque en particulier. Mais le sixième épisode s’ouvre avec une séquence d’action impressionnante qui ancre les évènements, pour la première fois, dans la Grande Bretagne contemporaine.

Un plan fondateur sinistre de nuages d’orage fond dans la ville et dans la Charing Cross Road.

Tandis que des piétons traversent d’un pas affairé le Pont du Millenium, les câbles de suspension cassent net à cause de tunnels de fumée noire – les minions de Voldemort sous forme gazeuse qui donne le frisson. Le pont tremble, se tourne et éclate en débris dans la Tamise sur les cordes insistantes de la musique de Nicholas Hooper. C’est un moment rendu sans défaut par les effets spéciaux dans lequel le monde des sorciers rentre enfin en collision avec la réalité.

Emma Dibdin

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QUELQUE CHOSE DE MÉCHANT S’APPROCHE

Daniel Radcliffe attend avec impatience les Reliques de la Mort : 2ème partie et sa carrière après Potter…

MOLDUS ATTENTION : ALERTE AUX SPOILERS

Nous avons une autre tranche de gâteau avec les Reliques de la Mort : 2ème partie. Ce n’est pas le livre le plus long – pourquoi a-t-il été séparé en deux ?

On n’aurait jamais pu l’adapter en un film. Si tu me trouves une adaptation satisfaisante du septième livre en un film, alors là on aurait pu avoir ce débat ! Tous les livres à partir de la Coupe de Feu étaient gros, mais dans chacun, on pouvait couper de gros bouts sans porter atteinte à l’histoire principale. Dans les Reliques de la Mort, il n’y a pas d’intrigues secondaires. C’est la même histoire tout le long et il est difficile de perdre une page. Si on l’avait fait en un film, on aurait dû reconfigurer toute l’histoire et ce n’aurait pas été une adaptation du livre.

Est-ce que Michael Gambon t’a manqué après la mort de Dumbledore dans le numéro six ?

Oui – ces scènes avec nous deux [dans le Prince de Sang-Mêlé] étaient les scènes les plus marrantes. On les a tournées en deux mois tout au début du film. On travaillait ensemble presque tous les jours et c’était génial. Mais c’était difficile parce qu’il y a tant d’information à faire passer, et ces scènes durent tout le film. On les a condensées en deux scènes, en gros. Mais le Prince de Sang-Mêlé n’a pas été mon épisode préféré…

Pourquoi cela ?

J’ai juste détesté mon jeu. Le film était bon, mais c’est une énorme quantité d’exposition. Je pense que c’est le plus beau de tous les chapitres ; Bruno [Delbonnel], notre directeur de la photo, était juste un génie absolu. Mais le numéro six, en gros, c’est la mise en place du numéro sept. Je pense que les Reliques de la Mort est beaucoup plus émotionnel que l’était le Prince de Sang-Mêlé, mais le Prince de Sang-Mêlé avait un boulot similaire à faire en donnant toutes les informations nécessaires de manière à ce que lorsque tu es jeté dans la folie des Reliques de la Mort, tu peux l’apprécier directement  sans devoir s’arrêter et se faire expliquer des trucs. Je n’étais juste pas content de mon jeu dans le numéro six.

Est-ce que les Reliques de la Mort : 2ème partie donnera plus de place à l’action ?

La 2ème partie va à 100 km/heure dès le départ. On y va simplement la tête la première ; il devrait être très excitant. Les Reliques de la Mort parle de tout ce qui se passe dans la tête de Harry. Il a le déclin de l’Empire Romain qui se passe dans la tête. Ses amitiés partent en vrille ; tout part en vrille. Il devient beaucoup plus distant des gens qui l’entourent. C’était le plus intéressant je pense qu’il ait été en tant que personnage.

Encore un autre rôle enjoué pour toi arrive après, en tant que Arthur Kipps dans The Woman in Black…

J’ai effectivement tendance à jouer des personnages tristes. Je ne sais pas pourquoi – je suis assez heureux ! Quand j’avais 11 ans, Chris Columbus a dit qu’il trouvait que j’avais des yeux tristes. Je pense que c’est grandement la raison pour laquelle j’ai tendance à jouer des personnages si tristes et solitaires ! Arthur est affligé, engourdi et épuisé et je pense que c’est une lutte pour lui de sortir du lit le matin. c’était définitivement quelque chose sur quoi je me suis concentré – ce sentiment d’épuisement et d’engourdissement – et c’est très utile parce que ça te donne un physique légèrement différent.

Et tu es dans une comédie musicale sur Broadway, How To Succeed In Business Without Really Trying. Ressens-tu besoin de prendre quelques risques maintenant que Potter est fini ?

Absolument. Je suis très fier de Harry Potter, mais je dois maintenant prendre quelques risques pour prouver aux gens que je suis sérieux. Je ne considère pas The Woman In Black particulièrement comme un risque, mais Equus l’était certainement, et How To Succeed In Business Without Really Trying pourrait être considéré comme un petit risque parce que c’est quelque chose que je n’ai jamais fait avant. Je pense que c’est comme ça qu’on prouve aux gens qu’on est prêt à faire des pas légèrement plus extrêmes que la plupart des acteurs devraient normalement.

Aimes-tu t’occuper ridiculement autant ?

Oui ! C’est le moment de ma vie où j’ai à la fois l’énergie et le désir d’être occupé, alors je bats le fer pendant qu’il est encore chaud. Je m’ennuie beaucoup très rapidement quand je ne fais rien, et je suis très heureux au travail, alors je ne sais pas pourquoi j’arrêterais ! RJa

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Le scénario abrégé

MOLDUS ATTENTION : ALERTE AUX SPOILERS

Fondu en ouverture
Intérieur Poudlard – Année 1
Daniel Radcliffe rencontre ses partenaires

Daniel Radcliffe
Je vais être sorcier ! Vivez indirectement par moi, enfants dont l’imagination est actuellement piétiné !

Rupert Grint
Je suis une poule mouillée insupportable. Je ressemble toujours à de la lave chaude dégoulinante !

Emma Watson
Je suis snob, mais la série a besoin d’une fille, alors habituez-vous à moi !

Un professeur essaie de tuer Daniel

Daniel Radcliffe
Waou, je croyais que Alan Rickman était le méchant ! L’habit ne fait pas le moine, les mômes !

Tout à coup, Daniel est secouru par un sortilège jeté par sa mère décédée.

Intérieur Poudlard – Année 2
Scènes infinies d’enfants qui apprennent, mais ce n’est pas ennuyeux parce que les escaliers bougent.

Emma Watson
L’un des fondateurs de Poudlard a créé un monstre qui mange les enfants.

Daniel Radcliffe
Mais pourquoi donc ont-ils nommé l’une des maisons de l’école d’après un tel abruti ?

Christian Coulson essaie de lâcher le monstre pour tuer Daniel, mais il est secouru par un phénix magique.

Intérieur Poudlard – Année 3

Daniel Radcliffe
Gary Oldman s’est échappé de prison et veut me tuer. (pause) Non attendez, il s’avère que le rat de Rupert veut me tuer. Attendez, quoi ?

Daniel est secouru par Daniel Radcliffe du futur.

Emma Watson
C’est bien que j’ai un “retourneur de temps” pour aller à deux cours en même temps.

Daniel Radcliffe
Quoi ? J’ai failli me faire tuer et TOI, tu as une machine à remonter le temps pour pouvoir cirer deux fois plus de pompes ?

Ils l’utilisent pour sauver un Hippogriffe mais pas les parents morts de Daniel.

Intérieur Poudlard – Année 4
Daniel Radcliffe est forcé à participer à un tournoi de sorciers.

Daniel Radcliffe
Ça craint, je déclare forfait.

Michael Gambon
Pour une raison ou une autre, tu ne peux pas. Comme d’habitude, essaie de ne pas mourir !

Tout le monde aide Daniel le Tricheur et il gagne presque et puis se fait attaquer par Ralph Fiennes.

Ralph Fiennes
Je peux sentir ta peur, Daniel ! Pas de blague sur mon nez !

Tout à coup, Daniel est secouru par les fantômes de ses parents.

Intérieur Poudlard – Année 5
Daniel est attaqué par tous les acteurs britanniques que les Américains connaissent qu’il reste.

Daniel Radcliffe
C’est bon, s’il y a une chose que je connais de ces films, c’est que quelque chose me sauvera.

Gary Oldman sauve Daniel.

Daniel Radcliffe
Vous voyez ?

Gary meurt. Ralph apparaît.

Daniel Radcliffe
Putain de merde !

Michael sauve Daniel.

Daniel Radcliffe
Vous voyez ?

Intérieur Poudlard – Année 6
Emma tombe amoureuse de Rupert qui sort avec Jessie Cave mais ensuite il n’est plus amoureux d’elle mais d’Emma. Daniel n’est plus amoureux de Katie Leung mais de Bonnie Wright qui n’est plus amoureuse de Alfie Enoch mais de Daniel. Ils s’embrassent !

Alan Rickman (tue Michael Gambon)
J’étais le méchant après tout !

Intérieur Pas Poudlard – Année 7Après s’être promenés dans les bois pendant deux heures, Daniel est capturé par Helena Bonham Carter.

Helena Bonham Carter
Je ne suis pas dans un film de Tim Burton !

Tout à coup, Daniel est sauvé par un fœtus en effets spéciaux nommé Dobby. Dobby meurt.

Daniel Radcliffe
D’accord, allons tuer Ralph Fiennes.

Rupert Grint
La prochaine fois. Le film est fini.

Emma Watson
En fait, je pense que tout ce film est juste les scènes supprimées du prochain.

À suivre…

Traduction – 4 décembre 2011

Steven Spielberg tient ce qui semble être une grosse télécommande. Tandis qu’il déplace cet instrument miraculeux, sur un moniteur à côté une vision d’objectif de caméra suit ses exacts mouvements, traversant rapidement un couloir en dessin animé primitif mais richement coloré (le décor semble arabe) avant de s’arrêter sur un visage familier. Des boucles d’or s’écartent du front dudit visage dans un mouvement qui n’est pas exactement une houppe, bien que son nez soit plus petit qu’un pompon. À côté de lui se trouve un homme acariâtre vêtu d’un pull bleu. C’est indubitablement le monde de Tintin. Sur un autre moniteur à côté, nous nous trouvons en Nouvelle Zélande. Précisément, c’est le bureau de Peter Jackson, où ce réalisateur lit en silence des emails.

“C’est génial, dit Spielbrg en riant. Hier, il y a Stephen Daldry qui est passé. David Fincher est venu. Tout le monde est très curieux de ce qu’on prépare”.

Nous sommes le surlendemain des Oscars, et le tournage de 32 jours du premier film de Tintin en motion capture (et 3D) tire à sa fin aux Giant Studios, à un kilomètre environ de l’aéroport de Los Angeles. Andy Serkis et Jamie Bell sont assis sur des chaises en plastique, portant les justaucorps recouverts de petits capteurs blancs désormais familiers. Ils ont aussi des casques qui scannent leurs expressions faciales pour les animateurs. À chaque fois qu’ils font le moindre mouvement, le Capitaine Haddock (Serkis) et Tintin (Bell) font de même à l’écran. De manière amusante, étant donné qu’il y a des capteurs dans toute la pièce (ou “volume”), même leurs échauffements sont répétés par Tintin et Haddock.

Bienvenue dans l’étrange monde merveilleux de la motion capture en action : un film fantôme est joué dans la réalité, et le niveau de technologie est tel qu’un premier rendu instantané d’un film d’animation est disponible pour que les deux cinéastes puissent le voir. C’est, tout le monde se hâte d’ajouter, très, très loin de l’animation finie : “Weta mettra les lumières, les ombres, tous les détails, explique Jackson. Il aura ce look de film noir. Quelque chose de très atmosphérique”. Le directeur de la photo habituel de Spielberg, Janusz Kaminski, travaille sur le film malgré un manque de caméra ou, effectivement, de lumière.

La collaboration de rêve entre apparemment deux des forces imaginatives les plus puissantes du cinéma a commencé il y a cinq ans, quand Spielberg a appelé Jackson pour vois si Weta serait intéressé par animer Milou (le chien fidèle mais bouché de Tintin) pour une version en chair et en os. Spielberg s’est intéressé à adapter à l’écran le reporter héroïque de Hergé depuis que quelqu’un ait comparé les aventures d’Indy à celles de l’adolescent (il est vrai que Tintin est moins bagarreur). Jackson est revenu avec quelque chose de bien plus excitant : une bande test de plans de Tintin en motion capture dans lequel il jouait tous les rôles.

“J’ai toujours été fan”, dit Jackson, qui joue aussi le rôle de porte-parole du projet. “Alors j’ai proposé cette idée plus ambitieuse qui utilise Weta et la motion capture. Il y a beaucoup de fans à Weta, aussi”.

Après avoir mis au point la motion capture via Gollum et King Kong, le studio d’effets spéciaux de Jackson est désormais considéré comme le premier fournisseur au monde de cette science cinématique… James Cameron les a choisis pour sa mystérieuse motion capture très photogénique dans Avatar. Spielberg a été rapide à voir la lumière – voici une manière excellente de capturer les détails fourmillants de l’art du créateur belge Hergé, ainsi que les talents d’acteur de Jamie Bell, Andy Serkis, Nick Frost et Simon Pegg (dans le rôle; des sosies farfelus Dupond et Dupont) et Daniel Craig dans le rôle du mystérieux Rackham le Rouge.

À la fin de l’année dernière dans un studio de Wellington, Spielberg et Jackson ont été rejoints par James Cameron (en ville pour bricoler Avatar) tandis qu’ils regardaient Andy Serkis jouer Haddock pour un test. “Et Bobby Z (aias Robert Zemeckis) est venu aussi”, a dit Jackson en riant, comme si ce n’était rien que quatre des meilleurs réalisateurs au monde traînaient ensemble. “C’était juste nous tous ensemble sur le tournage. Tout le monde sortait ses théories quant à pourquoi ils font ceci et cela”.

Il s’avère que la motion capture peut être beaucoup de choses pour beaucoup d’hommes. Cameron, occupé à pousser les frontières de ce procédé avec de l’action en photo réelle, suivait sa propre méthode. Et Bobby Z, aujourd’hui consacré au processus via Le Pôle Express, La Légende de Beowulf et bientôt le Drôle de Noël de Scrooge (dans lequel Jim Carrey joue Scrooge et les fantômes), préfère “filmer” les acteurs et travailler sur son propre “volume” pus tard. “Il n’est pas sûr de nos méthodes”, dit Spielberg en riant.

Spielberg et Jackson sont, en quelque sorte, fidèles, au cinéma traditionnel. “C’est ma béquille”, dit Spielberg du rendu sur moniteur. “J’aime voir la caméra bouger. Bobby n’a pas ça”.

“C’est une manière marrante de réaliser, ce qui est bizarre, dit Jackson. La plupart du temps, réaliser n’est pas très amusant – enfin, je e trouve pas ça très amusant. Il y a très peu de stress et c’est très créatif. Ce que j’ai aimé le plus en regardant Steven réaliser, c’est qu’il manipule réellement la caméra pour la majorité des scènes. Tu sais, c’est un très bon caméraman”.

Au sein du monde que vous avez choisi – dans ce cas, les complots internationaux abominables des années 1950 de Hergé déjoués par un intrépide reporter adolescent, son terrier blanc comme neige et son meilleur ami, un vieux loup de mer grincheux au mauvais caractère – les possibilités créatives sont pratiquement sans limite. L’ordinateur peut altérer la réalité pour s’accorder aux besoins d’un réalisateur. De manière intéressante, cela semble nécessiter une plus grande discipline de la part d’un réalisateur, s’assurant que ses instincts sont toujours véritables. Toujours être son propre réalisateur – spontané et dynamique.

“C’est très rapide, aussi, ajoute Jackson. On peut commencer en dix minutes. Personne ne s’assoit – les acteurs n’ont pas le temps d’aller dans leur caravane”.

Avec une telle flexibilité et rapidité, le duo avait au début prévu trois films, une trilogie de films en motion capture saisissant de multiples histoires de Tintin dont la source est directement les 25 bandes dessinées publiées par Hergé (voir l’encadré) et écrit par Steven Moffat de Doctor Who, le réalisateur Edgar Wright et Joe Cornish. Dans la situation actuelle, ce sera deux. “On prévoyait d’en faire trois au début en production en même temps à différentes étapes, et on pourrait faire ça, explique Jackson. En ce moment, on a celui-là et le studio (en fait, deux : la Paramount et Sony) finance le deuxième aussi, qui est actuellement en pré-production”.

Après que Spielberg finit de monter un assemblage, les plans passent à Weta pour être travaillés, avec une semaine ou deux de tournage additionnel réservées à Wellington en juin pour, comme le dit Jackson, “remplir les trous”. À ce moment-là, le scénario et les animations du deuxième film devraient quasiment être finis.

Théoriquement, pour le premier film, Spielberg réalise et Jackson produit. Le réalisateur/producteur Kiwi est venu à Los Angeles pour les répétitions et la première semaine de tournage, pour aider à faire démarrer les choses. Depuis lors, il a fait des vidéo-conférences depuis Wellington, chaque mouvement de la caméra invisible de Spielberg diffusé au-dessus du Pacifique directement dans son bureau.

“On le co-réalise en quelque sorte, dit Jackson. Je veux dire, on le fait à deux. Encore que, Steven a été sur le tournage avec les acteurs pendant les six dernières semaines, et je n’y ai été qu’une semaine. Alors il réalise définitivement le premier d’une manière que je ne fais pas”.

Ces rôles s’inverseront pour le deuxième film, avec le “tournage” déplacé dans les Stone Street Studios de Jackson à Wellington et Spielberg à la vidéo. La réalité, c’est que tous les deux assemblent les films, partageant leurs idées et déplaçant les choses vers la ligne d’arrivée de 2011. “C’est une manière très intéressante de faire un film, dit Jackson. Ça a fonctionné bien mieux que je ne le pensais”.

Tandis que Spielberg se retourne à nouveau vers le moniteur pour parler à son partenaire, un second visage rejoint celui de Jackson à l’écran. Guillermo del Toro, en Nouvelle Zélande conceptualisant le Hobbit avec son producteur, commence immédiatement à faire l’imbécile, se penchant sur la caméra jusqu’à ce que son œil en entier remplisse l’écran. Spielberg siffle et sort son téléphone. “Tu ressembles à une de tes créations”, dit-il en riant alors qu’il le prend en photo. Sur l’autre moniteur, Timtin et Haddock se ruent hors de l’écran pour regarder.

Les Aventures de Tintin : Le Secret de la Licorne sort en 2011

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Le secret révélé

Peter Jackson dévoile quels livres ils adaptent

“On fait principalement le Secret de la Licorne, mais on veut le beurre et l’argent du beurre aussi. Ce n’est pas une histoire d’origine – c’est quelque chose qu’on a évité parce que Tintin n’a pas d’origine connue. Ça fait partie de son mystère et de son charme – la dernière choses qu’on voulait faire était expliquer comment il est devenu reporter, et pourquoi il n’a pas de parents. Mais on voulait avoir le moment où Haddock rencontre Tintin pour la première fois, et, bien sûr, Hergé a fait ça dans l’histoire du Crabe aux pinces d’or.

“Alors ce qu’on a fait – et ça fonctionne assez bien – c’est qu’on a greffé la section qui couvre la première rencontre entre Haddock et Tintin dans la narration du Secret de la Licorne. Ça a évidemment mené à divers changements ça et là… C’est étrange ; j’ai relu tous les Tintin ces dernières années et il n’y a pas vraiment de Tintin  qu’on puisse adapter correctement au cinéma. Peu importe celui que tu choisis, tu dois ajouter des choses ou fournir un point culminant satisfaisant pour correspondre aux attentes du public au cinéma.

“Il y a un peu d’action qu’on a créée, mais si on vole des choses, on les vole de Hergé, de ses autres histoires. On ne fait pas beaucoup du Trésor de Rackham le Rouge (la suite directe du Secret de la Licorne et sûrement le sujet du deuxième film) – on l’emmène quasiment à la fin du Secret de la Licorne”.

Traduction – 30 novembre 2011

Coup de foudre et éclair, souvent assez excitants…

“Vous n’êtes pas de taille contre le puissant…” crie le Thor de Chris Hemsworth dans le dernier opus de Marvel. La phrase n’est ps finie grâce à une seringue plongée dans le derrière du Dieu de la Foudre, injection qui met court à la solennité qui résume l’approche de Kenneth Branagh de l’un des héros les plus grotesques du panthéon des comics.

L’étonnement s’est fait ressentir quand l’amoureux britannique du théâtre derrière Henri V et Frankenstein a été mis à la tête de ce monstre de 150 millions de $, surtout après certains de ses efforts récents derrière la caméra (le Limier, la Flûte enchantée) et devant (Good Morning England). Les possibilités sont, cependant, que même l’acolyte le plus ardent aimera un film qui réussit à pousser de l’humour génial à celui qui manie un marteau en portant un casque, qu’il mène la grande vie sur sa planète ou qu’il soit coincé sur la nôtre. D’accord, donc les premières scènes à Asgard rappellent bien les fioritures maniérées de Flash Gordon, surtout quand Anthony Hopkins se traîne en Odin en armure dorée et bandeau de pirate. Mais une fois que l’action se déplace sur l’aride et rocheuse Jötunheim, où Hemsworth et sa suite (Jaimie Alexander, Tadanobu Asano et Josh Dallas) s’engagent dans des coups de poing spectaculaires avec ses résidents les Géants de Givre, le film monte d’un cran. Pourtant ce n’est que lorsque Thor est banni sur Terre pour sa propagande belliciste irresponsable que le film commence réellement, son arrivée dans le Nouveau Mexique d’aujourd’hui permet beaucoup d’humour de poisson en dehors de l’eau de la variété de Crocodile Dunde. S’associant à la sceptique astrophysicienne de Natalie Portman, son patron scandinave (Stellan Skarsgard) et son amie pince-sans-rire hilarante (Kat Dennings), Hemsworth, au début raide comme un bâton de bois, montre un véritable talent comique que ce soit en brisant des tasses à café dans un diner de bord de route ou en rentrant dans une animalerie en demandant un cheval. Nous nous amusons tellement que c’est presque dommage de revenir périodiquement à Asgard pour révéler la scélératesse du frère de Thor, Loki (Tom Hiddleston), et ses projets de domination des neuf royaumes liés par le “Pont Arc-en-ciel” que surveille le Heimdall de Idris Elba comme un portier intergalactique.

Les clins d’œil aux Avengers sont fournis par l’apparition après le générique du Nicky Fury de Samuel L. Jackson et un sympathique cameo non crédité de Jeremy Renny en archer Œil-de-Faucon. Et même si la fin est un peu faible, elle vient au moins après une splendide séquence qui voit une ville entière décimée par le jouet robot de Loki. Eh bien, ils ne l’appellent pas le Destructeur pour rien.

Neil Smith

LE VERDICT L’obstacle le plus problématique sur le chemin des Avengers est dégagé facilement par un film qui fait de sa stupidité vertu. À ton tour, Captain America…

Certificat Déconseillé aux moins de 12 ans Réalisateur Kenneth Branagh Avec Chris Hemsworth, Anthony Hopkins, Natalie Portman, Tom Hiddleston Scénario Ashley Edward Miller, Zack Stentz, Don Payne Distributeur Paramount Durée 114 min

Traduction – 13 novembre 2011